Rock là một thể loại âm nhạc quần chúng được bắt nguồn từ cách gọi ngắn gọn của cụm từ “rock and roll” vào những năm 1950 ở Mỹ, rồi sau đó phát triển thành rất nhiều tiểu thể loại khác nhau từ những năm 60 của thế kỷ 20 và sau đó, đặc biệt ở Anh và Mỹ.[1][2][3] Rock bắt nguồn từ rock and roll của những năm 1940 và 1950, chịu ảnh hưởng mạnh mẽ từ nhạc R&B và nhạc đồng quê. Ngược lại, rock cũng tạo ảnh hưởng vô cùng rõ rệt tới nhiều thể loại nhạc như blues và folk, cùng với đó là những tương tác với jazz, nhạc cổ điển, và các thể loại khác.
Rock thường được tập trung chuyên sâu ở việc sử dụng guitar điện, và thường thì cùng với đó là guitar bass và trống. Đặc biệt, những sáng tác rock thường sử dụng nhịp 4/4 với cấu trúc đại trà phổ thông ” tăng trưởng – điệp khúc ” ( verse – chorus ), tuy nhiên những tiểu thể loại lại vô cùng phong phú và những đặc thù chung để định nghĩa trở nên rất khó xác lập. Cũng như pop, phần ca từ thường nói về những câu truyện tình buồn, nhưng đôi lúc cũng đề cập tới những chủ đề khác như những yếu tố xã hội và chính trị. Sự thống trị của những nghệ sĩ nam da trắng đã trở thành yếu tố quyết định hành động trong việc tăng trưởng và mày mò nhạc rock. So với nhạc pop, rock cũng đề cao hơn tầm quan trọng của những mối cộng tác âm nhạc, những buổi trình diễn trực tiếp, và cả những ý tưởng sáng tạo mang tính ” xác nhận ” .
Vào cuối những năm 60 – còn được gọi là “những năm vàng” hoặc “thời kỳ rock cổ điển”[2] – rất nhiều tiểu thể loại của rock đã xuất hiện, trong đó có blues rock, folk rock, country rock, và jazz-rock pha trộn. Rất nhiều trong số đó đã góp phần tạo nên psychedelic rock bị ảnh hưởng lớn từ phong trào phản văn hóa lúc đó. Một thể loại quan trọng khác cũng xuất hiện đó là progressive rock; glam rock nhấn mạnh vào nghệ thuật trình diễn và phong cách; và các tiểu thể loại quan trọng và trường tồn của heavy metal vốn đề cao âm lượng, độ gằn cũng như tốc độ. Vào cuối những năm 1970, punk rock trở nên phổ biến và trở thành tâm điểm chống lại những xu hướng nhằm tạo nên thể loại nhạc đầu tiên được đặc thù bởi các chủ đề xã hội cũng như chính trị. Văn hóa punk gây ảnh hưởng lớn suốt những năm 80 với việc tạo nên rất nhiều tiểu thể loại quan trọng, trong đó có New Wave, post-punk và đặc biệt là làn sóng alternative rock. Tới những năm 90, alternative rock trở nên phổ biến và phân tách thành grunge, Britpop, và indie rock. Các thể loại nhạc pha trộn với nhau, tạo nên sau đó pop punk, rap rock, và rap metal, cùng với đó là những thể loại mới vô cùng quan trọng với lịch sử nhạc rock như garage rock/post-punk và synthpop vào những năm đầu của thiên niên kỷ mới.
Bạn đang đọc: Rock – Wikipedia tiếng Việt
Nhạc rock cũng trở thành một phần của những trào lưu văn hóa truyền thống và xã hội, tạo nên những khái niệm mới như rocker hay mod ở Anh, hay hippie bắt nguồn từ San Francisco ở Mỹ vào những năm 1960. Tương tự, vào những năm 70, văn hóa truyền thống punk đã tạo nên những khái niệm như goth và emo. Kế thừa tính phản kháng từ nhạc folk, rock cũng nhanh gọn có những link với những yếu tố chính trị, đặc biệt quan trọng là những yếu tố tương quan tới biến hóa quan điểm xã hội về chủng tộc, giới tính, sử dụng chất kích thích, và thường được coi là lời ca của tuổi trẻ chống lại xã hội tiêu dùng và sự tận thưởng .
Âm thanh của nhạc rock được đặc trưng bởi tiếng guitar điện, được nâng cấp cải tiến trong thập niên 1950 với sự phổ cập của nhạc rock and roll [ 4 ]. Âm thanh của guitar điện trong nhạc rock được đặc biệt quan trọng tương hỗ bởi tiếng guitar bass vốn bắt nguồn từ nhạc jazz cùng thời kỳ [ 5 ], và định âm được tạo bởi dàn trống với nhiều loại trống và chũm chọe khác nhau [ 6 ]. Bộ 3 nhạc cụ này còn được tương hỗ bởi nhiều nhạc cụ khác, trong đó có những keyboard như piano, Hammond organ và synthesizer [ 7 ]. Nhóm người chơi nhạc rock được gọi là ban nhạc rock và thường được cấu thành từ 2 cho tới 5 người. Hình thức cổ xưa nhất của một ban nhạc rock là 4 người trong đó mỗi thành viên đảm nhiệm nhiều vai trò, như hát, guitar lead, guitar nền, bass, trống, đôi lúc chơi keyboard và những nhạc cụ khác nữa [ 8 ] .Rock cũng được đặc trưng bởi nhịp nhấn lệch đơn thuần 4/4, trong đó sử dụng lặp lại trống lớn căng dây để chơi nền nhịp 2 và 4 [ 9 ]. Giai điệu được lấy cảm hứng từ nhiều nguồn khác nhau, trong đó có âm giai Dorian và âm giai Mixolidian, cùng với đó là những giọng chuẩn và giọng thứ. Hòa âm cũng được lấy từ những hợp âm 3, 4 và 5 và theo những quãng chạy nhất định [ 9 ]. Các sáng tác rock trong những năm 1960 thường được viết theo cấu trúc đoạn vào – điệp khúc được bắt nguồn từ nhạc folk và blues nhưng có nhiều nâng cấp cải tiến đáng kể [ 10 ]. Nhiều nhìn nhận cảm thấy nhàm chán vì tính chiết trung và phong thái của nhạc rock [ 11 ]. Cũng vì nguồn gốc phong phú và xu thế vay mượn những hình thức âm nhạc và văn hóa truyền thống khác nên rock thường bị coi ” không thể nào hoàn toàn có thể gò bó rock vào một định nghĩa đơn cử xác lập nào đó về mặt âm nhạc. “Khác với nhiều thể loại âm nhạc quần chúng khác, ca từ của nhạc rock được phân tách thành nhiều chủ đề phong phú phối hợp với tình yêu lãng mạn : tình dục, sự phản kháng với ” Establishment “, những yếu tố xã hội và phong thái sống [ 9 ]. Những chủ đề này được tác động ảnh hưởng từ nhiều nguồn khác nhau, trong đó có nhạc pop của Tin Pan Alley, nhạc folk và nhạc R&B [ 12 ]. Nhà báo Robert Christgau từng miêu tả ca từ nhạc rock là một ” dung môi mê hoặc ” với cách miêu tả đơn thuần và phần điệp khúc tái diễn, cùng với đó là ” vai trò ” thứ yếu của rock là ” đi liền với âm nhạc, hoặc chung hơn, là những tiếng ồn ” [ 13 ]. Sự thống trị của những nghệ sĩ nam da trắng tới từ những tầng lớp trung lưu so với nhạc rock cũng đều được ghi lại [ 14 ], và nhạc rock được coi là thứ âm nhạc của người da màu được cải biến cho những tầng lớp trẻ da trắng và hầu hết là phái mạnh [ 15 ]. Cũng chính thế cho nên rock cũng được coi là thứ liên kết những tầng lớp này tới những thể loại trên cả về âm nhạc lẫn ca từ [ 16 ] .
Kể từ khi khái niệm rock bắt đầu được sử dụng khái quát hơn để gọi nhạc rock and roll kể từ giữa những năm 1960, nó cũng được dùng để đối lập với nhạc pop – một thể loại vốn có rất nhiều đặc điểm, song chủ yếu khác biệt nằm ở việc sử dụng nhạc cụ, trình diễn trực tiếp và đặc biệt trong việc khai thác các chủ đề và cả những quan điểm về khán giả vốn thường xuyên được hòa lẫn trong quá trình phát triển của thể loại này[17]. Theo Simon Frith, “rock là một điều gì đó hơn pop, một điều gì đó hơn rock and roll. Một nghệ sĩ rock thường dung hòa kỹ thuật cùng kỹ năng với những quan điểm lãng mạn về nghệ thuật trình diễn, một cách nguyên bản và chân thật.”[17] Kể từ thế kỷ 21, khái niệm rock đã trở thành một trong những “khái niệm hiển nhiên” của âm nhạc cùng với pop, reggae, soul và thậm chí cả hip-hop – những thể loại không chỉ ảnh hưởng mà còn tương phản lẫn nhau suốt lịch sử âm nhạc[18].
Nội dung chính
- 1 Nguồn gốc ( những năm 50 – đầu những năm 60 ).
- 2 Những năm vàng ( từ giữa cho tới cuối thập niên 60 ).
- 3 Thời kỳ tăng trưởng ( cuối những năm 60 – giữa những năm 70 ).
- 4 Làn sóng Punk ( từ giữa những năm 70 tới hết những năm 80 ).
- 5 Thời kỳ alternative ( thập niên 90 ).
- 6 Thiên niên kỷ mới ( những năm 2000 ).
- 7 Ảnh hưởng xã hội.
- 8 Liên kết ngoài.
Nguồn gốc ( những năm 50 – đầu những năm 60 ).
Rock and roll.
Nền tảng của nhạc rock là từ rock and roll, có nguồn gốc từ Mỹ vào cuối thập niên 1940 và đầu thập niên 1950, sau đó đã nhanh gọn lan ra hầu hết toàn quốc tế. Nguồn gốc trực tiếp của nó là từ việc ghép nối những thể loại nhạc đen lại với nhau, gồm có cả rhythm and blues và nhạc phúc âm, cùng với nhạc đồng quê và viễn tây. [ 19 ] Năm 1951, một DJ người Cleveland, Ohio tên là Alan Freed khởi đầu chơi nhạc R&B cho những người theo dõi đa sắc tộc, và được coi là người tiên phong sử dụng cụm từ ” rock and roll ” để nói về âm nhạc .
Đã có cuộc tranh luận xung quanh việc bản thu âm nào sẽ trở thành bản thu âm rock and roll đầu tiên. Những ứng cử viên bao gồm “Rock Awhile” của Goree Carter (1949);[20] “Rock the Joint” của Jimmy Preston (1949), bài hát sau đó được hát lại bởi Bill Haley & His Comets vào năm 1952;[21] và “Rocket 88” của Jackie Brenston and his Delta Cats (thật ra là Ike Turner và ban nhạc của anh, The Kings of Rhythm), được thu âm bởi Sam Phillips cho hãng ghi âm Sun Records năm 1951.[22] Bốn năm sau, “Rock Around the Clock” của Bill Haley (1955) trở thành bài hát rock and roll đầu tiên dẫn đầu bảng xếp hạng doanh số và airplay của tạp chí Billboard, mở tung cánh cửa cho làn sóng văn hóa phổ biến và mới mẻ này.[23]
Có lập luận cho rằng “That’s All Right (Mama)” (1954), đĩa đơn đầu tiên của Elvis Presley cho hãng ghi âm Sun Records tại Memphis, là bản thu âm rock and roll đầu tiên,[24] nhưng, cùng thời điểm đó, “Shake, Rattle & Roll” của Big Joe Turner, sau đó được hát lại bởi Haley, đang dẫn đầu bảng xếp hạng Billboard R&B. Nhiều nghệ sĩ đã sớm có những hit rock and roll bao gồm Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis, và Gene Vincent.[22] Ngay sau đó, rock and roll đã có những tác động lớn đến doanh số bán hàng của các hãng ghi âm Mỹ, và cả các crooner như Eddie Fisher, Perry Como, và Patti Page, những nghệ sĩ đã chiếm lĩnh thị trường âm nhạc trong thập kỉ trước đó.[25]
Rock and roll đã dẫn tới nhiều tiểu thể loại âm nhạc khác nhau, phối hợp cả rock and roll với nhạc đồng quê, mà vẫn thường được chơi và ghi âm vào giữa thập niên 1950 bởi những ca sĩ trắng như Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, cùng với Elvis Presley, thành công xuất sắc thương mại lớn nhất vào thời gian đó. [ 26 ] trái lại, doo-wop chú trọng phần lớn vào hòa âm và ca từ không có ý nghĩa ( cũng do đó mà thể loại nhạc này được đặt tên như vậy ), thường được tương hỗ bằng phần nhạc đệm nhẹ và có nguồn gốc từ những nhóm nhạc người Mỹ gốc Phi ở thập niên 1930 và 1940. [ 27 ] Một số nhóm nhạc như The Crows, The Penguins, The El Dorados và The Turbans đều đã có được nhiều hit lớn, và những nhóm nhạc khác như The Platters, với những bài hát trong đó có ” The Great Pretender ” ( 1955 ), và The Coasters với những bài hát vui nhộn như ” Yakety Yak ” ( 1958 ), đều nằm trong số những nghệ sĩ rock and roll thành công xuất sắc nhất của thời kỳ này. [ 28 ]Thời kì này cũng tận mắt chứng kiến sự tăng lên về số lượng guitar điện và sự tăng trưởng của một phong thái rock and roll đặc biệt quan trọng với những nghệ sĩ tiêu biểu vượt trội như Chuck Berry, Link Wray, và Scotty Moore. [ 29 ] Việc sử dụng hiệu ứng biến dạng âm thanh, tiên phong bởi những tay guitar nhạc blues điện tử như Guitar Slim, [ 30 ] Willie Johnson và Pat Hare vào đầu những năm 1950, [ 31 ] đã được phổ cập bởi Chuck Berry vào giữa thập niên 1950. [ 32 ] Việc sử dụng hợp âm 5, tiên phong bởi Willie Johnson và Pat Hare vào đầu những năm 1950, [ 31 ] đã được phổ cập bởi Link Wray vào cuối thập niên 1950. [ 33 ]Tại Vương quốc Liên hiệp Anh và Bắc Ireland, những trào lưu nhạc jazz truyền thống cuội nguồn và dân gian đã đưa những nghệ sĩ nhạc blues đến Liên hiệp Anh. [ 34 ] Hit năm 1955 của Lonnie Donegan, ” Rock Island Line “, là một ảnh hưởng tác động lớn giúp tăng trưởng những khuynh hướng của những dàn nhạc đệm xuyên suốt cả nước, mà nhiều trong số đó, gồm có cả The Quarrymen của John Lennon, đã chuyển sang chơi nhạc rock and roll. [ 35 ]Các nhà phản hồi đã nhận thức được sự suy tàn của rock and roll vào cuối tập niên 1950, đầu thập niên 1960. Năm 1959, cái chết của Buddy Holly, The Big Bopper và Richie Valens trong một vụ tai nạn đáng tiếc máy bay, việc Elvis vào quân đội, việc nghỉ hưu của Little Richard để trở thành một nhà truyền giáo, và vụ truy tố Jerry Lee Lewis và Chuck Berry và việc phát hiện ra vụ bê bối payola ( có tương quan đến nhân vật chính, gồm có cả Alan Freed, hối lộ và tham nhũng trong việc thôi thúc hành vi cá thể hoặc những bài hát ), đã ý thức được mọi người về hồi kết của kỉ nguyên rock and roll. [ 22 ]
Những năm đầu.
Giai đoạn cuối thập niên 1950, đầu thập niên 1960, trong sự kết thúc tiến trình đầu của thời kì thay đổi và những gì được biết đến ở Mỹ với tên gọi ” British Invasion “, đã được coi là thời kỳ vằng bóng của rock and roll. Một số tác giả đã nhấn mạnh vấn đề vào sự thay đổi và những xu thế quan trọng trong tiến trình này mà trong tương lai nếu không được tăng trưởng sẽ không hề thực thi được. [ 36 ] [ 37 ] Trong khi rock and roll những năm đầu, đặc biệt quan trọng là trải qua sự sinh ra của rock, đã cho ta thấy một thành công xuất sắc thương mại vô cùng lớn so với những nam nghệ sĩ và nghệ sĩ trắng, thì trong thời kì này, rock and roll lại được chiếm lợi thế bởi những nghệ sĩ đen và nữ nghệ sĩ. Rock and roll không hề Open trong những năm cuối thập niên 1950, và 1 số ít ít Open của nó hoàn toàn có thể được thấy trong cơn sốt về điệu nhảy Twist vào những năm đầu thập niên 1960, mà đa phần là có lợi cho sự nghiệp của Chubby Checker. [ 37 ] Mặc dù đã lắng xuống vào cuối thập niên 1950, tuy nhiên doo-wop đã có một sự hồi sinh trong thời kỳ này, với những hit lớn của những nghệ sĩ như The Marcels, The Capris, Maurice Williams và Shep and the Limelights. [ 28 ] Sự Open của những nhóm nhạc nữ như The Chantels, The Shirelles và The Crystals đã nhấn mạnh vấn đề vào việc làm hòa âm và sản xuất, điều này trái chiều trọn vẹn với rock and roll những năm đầu. [ 38 ] Một số hit lớn của những nhóm nhạc nữ đáng chú ý quan tâm là những loại sản phẩm của Brill Building Sound, được đặt theo tên của một tòa nhà tại Thành Phố New York nơi rất nhiều người viết bài hát được thường trực, trong đó có hit giải quán quân của The Shirelles, ” Will You Love Me Tomorrow ” năm 1960, được sáng tác bởi cặp đôi Gerry Goffin và Carole King. [ 39 ]Cliff Richard đã có một hit thuộc thể loại nhạc British rock and roll với bài hát ” Move It “, mở ra một thời kì mới của British rock. [ 40 ] Vào đầu những năm 1960, ban nhạc đệm của anh, The Shadows, là ban nhạc thu âm nhạc không lời thành công xuất sắc nhất. [ 41 ] Trong khi rock ‘ n ‘ roll mờ nhạt dần trở thành những giai điệu pop nhẹ và ballad, thì những ban nhạc rock Anh tại những câu lạc bộ và sàn nhảy địa phương, bị ảnh khá hưởng nhiều bởi những người tiên phong nhạc blues-rock như Alexis Korner, đã chơi nhạc với cường độ và xu thế không ít được tìm thấy trong những nghệ sĩ trắng ở Mỹ. [ 42 ]Một phần không kém quan trọng đó là sự sinh ra của nhạc soul, một lực lượng thương mại vô cùng lớn. Được tăng trưởng bên ngoài rhythm and blues, với một chút ít tác động ảnh hưởng của nhạc phúc âm và pop, và được đứng vị trí số 1 bởi những nghệ sĩ tiên phong như Ray Charles và Sam Cooke vào giữa thập niên 1950, vào đầu thập niên 1960 những nhân vật như Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield và Stevie Wonder đã thống trị những bảng xếp hạng R&B và nâng tầm vào những bảng xếp hạng nhạc pop, giúp tăng cường việc xoá bỏ nạn phân biệt chủng tộc, trong khi đó hãng ghi âm Motown và Stax / Volt Records trở thành một thế lực lớn trong ngành công nghiệp ghi âm. [ 43 ] Tất cả những yếu tố, gồm có cả doo wop và những nhóm nhạc nữ, những người viết bài hát của Brill Building Sound và việc làm sản xuất nhạc soul, được coi là một tác động ảnh hưởng lớn so với nhạc Merseybeat, đặc biệt quan trọng là những tác phẩm đầu tay của The Beatles, và trải qua chúng dưới hình thức của nhạc rock sau này. [ 44 ] Một số sử gia về âm nhạc cũng quan tâm vào sự tăng trưởng kỹ thuật quan trọng và phát minh sáng tạo được thiết kế xây dựng dựa trên rock and roll trong quá trình này, gồm có cả kĩ thuật chỉnh âm thanh của những nhà sáng tạo như Joe Meek, và những phương pháp sản xuất phức tạp của Wall of Sound được Phil Spector theo đuổi. [ 37 ]
Bài chi tiết cụ thể : Surf
Nhạc rock and roll không lời được tiên phong bởi những nghệ sĩ như Duane Eddy, Link Wray, The Ventures, và sau đó được phát triển bởi Dick Dale, người đã thêm vào các hiệu ứng hồi âm “ướt”, kiểu đánh guitar luân phiên, cũng như ảnh hưởng của âm nhạc Trung Đông và Mexico, sản xuất ra hit địa phương “Let’s Go Trippin'” năm 1961 và tung ra những cơn sốt nhạc surf với những bài hát như “Misirlou” (1962).[45][46] Cũng giống như Dale và ban nhạc Del-Tones, hầu hết những ban nhạc surf đầu tiên được thành lập tại miền Nam California, bao gồm cả Bel-Airs, The Challengers, và Eddie & the Showmen.[46] The Chantays đã có được một hit top 10 quốc gia “Pipeline” vào năm 1963, và có lẽ điệu surf nổi tiếng nhất là bài hát “Wipe Out”, phát hành năm 1963, của ban nhạc Surfaris, bài hát đã đánh vào bảng xếp hạng Billboard tại vị trí á quân vào năm 1965.[47]
Sự thông dụng ngày càng lớn của thể loại âm nhạc này đã khiến cho những nhóm nhạc ở những vùng miền khác khởi đầu thử tay, trong đó có những nhóm nhạc như The Astronauts đến từ Boulder, Colorado, The Trashmen đến từ Minneapolis, Minnesota, ban nhạc đã có hit ” Surfin Bird ” đứng vị trí thứ 4 vào năm 1964, và The Rivieras đến từ South Bend, Indiana, ban nhạc với hit ” California Sun ” đứng vị trí thứ 5 năm 1964. [ 45 ] The Atlantics đến từ Sydney, New South Wales đã có nhiều góp phần đáng kể cho thể loại nhạc này với ht lớn ” Bombora ” ( 1963 ). [ 45 ] Các ban nhạc không lời châu Âu trong thời kì này cũng tập trung chuyên sâu hơn vào phong thái rock and roll của The Shadows, tuy nhiên The Dakotas, ban nhạc đệm người Anh chơi cho nam ca sĩ nhạc Merseybeat Billy J. Kramer, đã có được nhiều sự chú ý quan tâm dưới danh những nghệ sĩ nhạc surf với ” Cruel Sea ” ( 1963 ), bài hát sau đó đã được chơi lại bởi nhiều ban nhạc surf không lời người Mỹ, trong đó có The Ventures. [ 48 ]
Nhạc surf đã đạt được thành công thương mại lớn nhất của nó, đặc biệt là các sản phẩm của The Beach Boys, ban nhạc được thành lập năm 1961 tại miền Nam California. Những album đầu tiên của họ đều có bao gồm cả nhạc surf rock không lời (trong số đó có một số bài được chơi lại của Dick Dale) và nhạc có lời. Bài hát đầu tiên của họ, “Surfin'” năm 1962, đã lọt vào bảng xếp hạng Billboard Top 100, đồng thời giúp cho cơn sốt nhạc surf trở thành một hiện tượng quốc gia.[49] Từ năm 1963, nhóm nhạc bắt đầu rời bỏ nhạc surf, cùng với việc Brian Wilson trở thành nhà soạn nhạc và nhà sản xuất lớn của họ, để chuyển sang các chủ đề chung về các nam thanh niên, bao gồm cả ô tô và các cô gái trong những bài hát như “Fun, Fun, Fun” (1964) và “California Girls” (1965).[49] Nhiều ban nhạc surf cũng theo sau, trong đó có ban nhạc chỉ có một hit duy nhất như Ronny & the Daytonas với “G. T. O.” (1964) và Rip Chords với “Hey Little Cobra”, cả hai đều lọt vào top 10, nhưng chỉ có một nhóm nhạc duy nhất có được thành công bền vững, đó là Jan & Dean, nhóm nhạc đã có hit quán quân “Surf City” (đồng sáng tác với Brian Wilson) năm 1963. Cơn sốt nhạc surf và sự nghiệp của hầu hết các nghệ sĩ nhạc surf đã kết thúc một các sâu sắc bởi sự xuất hiện của British Invasion từ năm 1964. Chỉ riêng The Beach Boys đã duy trì được một sự nghiệp sáng tạo vào giữa thập niên 1960, với việc sản xuất một loạt các đĩa đơn nổi tiếng và các album, bao gồm cả Pet Sounds năm 1966, một sản phẩm được đánh giá cao được cho rằng đã giúp họ trở thành ban nhạc pop hoặc rock người Mỹ có thể cạnh tranh với The Beatles.[49]
Những năm vàng ( từ giữa cho tới cuối thập niên 60 ).
Năm 1964, The Beatles tạo ra bước đột phá khi tiến hành quảng bá tới thị trường Mỹ. “I Want to Hold Your Hand” trở thành bản hit đầu tiên của họ đạt vị trí quán quân trên bảng xếp hạng Billboard Hot 100, và tiếp tục giữ nguyên vị trí này 7 trong tổng số 15 tuần trên bảng xếp hạng[54][55]. Buổi xuất hiện của họ trên The Ed Sullivan Show vào ngày 9 tháng 2 được ước tính có tới 73 triệu người xem trực tiếp (kỷ lục của truyền hình Mỹ vào lúc đó) và được coi là viên gạch nền móng cho nền văn hóa nhạc pop của Mỹ. The Beatles nhanh chóng trở thành ban nhạc rock có số đĩa bán chạy nhất mọi thời đại với việc liên tiếp thống trị các bảng xếp hạng 2 bên bờ Đại Tây Dương[52]. Suốt 2 năm tiếp theo, liên tiếp Peter and Gordon, The Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman’s Hermits, The Rolling Stones, The Troggs, và Donovan đều có những đĩa đơn quán quân tại Mỹ[54]. Thành công này cũng bao gồm cả những nghệ sĩ mới thành danh như The Kinks và The Dave Clark Five[56][57].
British Invasion đã góp thêm phần quốc tế hóa âm nhạc rock ‘ n ‘ roll, mở tung cánh cửa cho những nghệ sĩ Anh ( và Ireland ) tới những thành công xuất sắc mang tính quốc tế [ 58 ]. Tại Mỹ, nó cũng ghi lại sự kết thúc của nhạc surf và những nhóm nhạc hát nữ vốn độc chiếm những bảng xếp hạng tại đây suốt những năm 50 [ 59 ]. Nó cũng làm dịch chuyển can đảm và mạnh mẽ sự nghiệp của một vài nghệ sĩ R&B, như Fats Domino và Chubby Checker, và làm gián đoạn thành công xuất sắc của nhiều nghệ sĩ rock ‘ n ‘ roll đương thời kể cả Elvis Presley [ 60 ]. British Invasion cũng góp thêm phần tạo nên sự phân tách những thể loại của nhạc rock, và định hình nên cấu trúc cơ bản trong đội hình của một nhóm nhạc rock dựa trên guitar và trống và tự chơi những ca khúc do chính mình sáng tác [ 27 ] .
Garage rock là một loại nhạc rock nghiệp dư đặc biệt quan trọng phổ cập ở Bắc Mỹ vào những năm giữa thập niên 1960. Cái tên garage rock xuất phát từ việc mô hình âm nhạc này thường được tập luyện trong nhà để xe ( garage ) của những mái ấm gia đình vùng ngoại ô thành phố. [ 61 ] [ 62 ] Nội dung những bài hát garage rock thường xoay quanh những vết thương của đời sống học đường, với những bài hát về ” những cô nàng giả dối ” đặc biệt quan trọng phổ cập. [ 63 ] Phần ca từ và cách diễn đạt có tính trẻ khỏe hơn những gì thông dụng vào thời gian đó, thường có những đoạn hát gầm gừ hoặc hô hoán hòa vào những tiếng thét rời rạc. [ 61 ] Cũng có những độc lạ theo từng vùng trên quốc gia mà đặc biệt quan trọng phồn thịnh nhất là California và Texas. [ 63 ] Tiểu bang Tây Bắc Thái Bình Dương của Washington và Oregon có lẽ rằng là vùng có garage rock biểu lộ rõ đặc thù nhất. [ 64 ]
Garage rock đã phát triển ở nhiều nơi vào đầu năm 1958. “Tall Cool One” (1959) của The Wailers và “Louie Louie” của The Kingsmen (1963) là những ví dụ điển hình cho thể loại này trong giai đoạn hình thành của nó.[65] Năm 1963, nhiều ban nhạc garage đã có những đĩa đơn lọt được vào các bảng xếp hạng quốc gia với thứ hạng cao, trong đó phải kể đến ban nhạc Paul Revere and the Raiders (Boise, Idaho),[66] The Trashmen (Minneapolis)[67] và Rivieras (South Bend, Indiana).[68] Nhiều ban nhạc garage có ảnh hưởng khác chẳng hạn như The Sonics (Tacoma, Washington), lại chưa bao giờ lọt được vào bảng xếp hạng Billboard Hot 100.[69] Trong giai đoạn đầu rất nhiều ban nhạc chịu ảnh hưởng nặng nề bởi surf rock và có một sự tương đồng trong garage rock và frat rock, đôi khi nó chỉ đơn thuần được xem như là một tiểu thể loại của garage rock.[70]
Cuộc xâm lăng âm nhạc British Invasion năm 1964 – 66 đã có không ít ảnh hưởng tác động so với những ban nhạc garage, phân phối cho họ một lượng người theo dõi quốc tế, đồng thời khuyến khích nhiều nhóm nhạc khác hình thành. [ 63 ] Hàng ngàn ban nhạc garage ở Mỹ và Canada vẫn còn sống sót trong kỉ nguyên này, và hàng trăm trong số đó vẫn sản xuất những hit địa phương, [ 63 ] ví dụ như ” The Witch ” của The Sonics ( 1965 ), ” Where You Gonna Go ” của Unrelated Segments ( 1967 ), ” Girl I Got News for You ” của Birdwatchers ( 1966 ) và ” 1 – 2 – 5 ” của The Haunted. Dù cho có một số lượng lớn ban nhạc được ký hợp đồng với những hãng đĩa lớn trong khu vực, thì hầu hết trong số đó lại là những thất bại thương mại. Người ta chấp thuận đồng ý rằng garage rock đạt đến đỉnh cao quý về mặt thương mại lẫn thẩm mỹ và nghệ thuật vào những năm 1966. [ 63 ] Đến năm 1968 phong thái âm nhạc này gần như biến mất khỏi bảng xếp hạng quốc tế và những nhạc sĩ nghiệp dư phải đương đầu với những yếu tố về ĐH, xin việc hoặc dự thảo. [ 63 ] Nhiều phong thái âm nhạc mới nổi lên sửa chữa thay thế garage rock ( gồm có blues rock, progressive rock và rock đồng quê ). [ 63 ] Ở Detroit, garage rock vẫn còn sống sót cho tới đầu thập niên 70, với những ban nhạc như MC5 và The Stooges, những người đã sử dụng phong thái hung bạo hơn nhiều. Những ban nhạc này mở màn được dán nhãn punk rock và đến nay vẫn thường được xem như proto-punk hay proto – hard rock. [ 71 ]
Thuật ngữ ” pop ” khởi đầu được sử dụng từ những năm đầu của thế kỉ 20, ám chỉ những dòng nhạc quần chúng nói chung, nhưng khởi đầu từ giữa những năm 1950 nó khởi đầu được sử dụng cho một thể loại âm nhạc riêng không liên quan gì đến nhau, nhắm vào thị trường giới trẻ và thường được coi là một dòng nhạc alternative nhẹ hơn rock and roll. [ 72 ] [ 73 ] Do hậu quả của British Invasion, ý nghĩa của thuật ngữ ” pop ” ngày càng trái chiều với ” rock “, thường là để chỉ một thể loại nhạc mang tính thương mại, nhất thời và dễ tiếp cận hơn. [ 17 ] Mặt trái chiều, nhạc rock tập trung chuyên sâu hầu hết vào những tác phẩm lan rộng ra, đặc biệt quan trọng là những album, thường gắn liền với những nền tiểu văn hóa truyền thống đơn cử ( giống như phản văn hóa truyền thống ), đặt trọng tâm vào những giá trị thẩm mỹ và nghệ thuật và tính ” xác nhận ” của nó, nhấn mạnh vấn đề vào phần màn biểu diễn trực tiếp, phần nhạc nền hoặc vào giọng hát điêu luyện và thường gói gọn sự tăng trưởng tân tiến chứ không phải chỉ đơn thuần là phản ánh xu thế hiện tại. [ 17 ] [ 72 ] [ 73 ] [ 74 ]Tuy nhiên nhiều bài hát nhạc pop và rock lại rất giống nhau cả về mặt âm thanh, phần nhạc nền cũng như nội dung lời bài hát. Các thuật ngữ ” pop-rock ” và ” power pop ” mở màn được sử dụng để diễn đạt những bài hát có tính thành công xuất sắc thương mại cao sử dụng một số ít hình thức của nhạc rock. [ 75 ] Pop-rock đã từng được định nghĩa là ” những bản upbeat của nhạc rock được màn biểu diễn bởi những nghệ sĩ như Elton John, Paul McCartney, The Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago, và Peter Frampton. [ 76 ] trái lại, nhà phê bình âm nhạc George Starostin lại định nghĩa pop-rock là một tiểu thể loại của nhạc pop sử dụng những bản nhạc pop mê hoặc mà đa phần là dựa vào guitar. Starostin cho rằng hầu hết những gì là gọi là ” power pop ” là thuộc về pop rock, và nội dung phần lời bài hát là ” phần quan trọng thứ yếu so với âm nhạc. ” [ 77 ] Thuật ngữ ” power pop ” được đặt ra bởi Pete Townshend của ban nhạc The Who vào năm 1966, nhưng không được sử dụng nhiều cho đến khi nó được vận dụng so với những ban nhạc như Badfinger, một ban nhạc đã có được rất nhiều thành công xuất sắc thương mại trong thời kì này, vào những năm 1970. [ 78 ] Xuyên suốt lịch sử dân tộc của nó đã có nhiều loại sản phẩm nhạc rock có sử dụng những yếu tố của pop, và những nghệ sĩ pop sử dụng nhạc rock làm nền tảng cho âm nhạc của họ, hoặc nỗ lực phấn đấu cho tính ” xác nhận ” của rock .
Cho dù làn sóng tiên phong của British Invasion đa phần là những giai điệu beat và R&B, sự tăng trưởng thực sự lại được biết tới với làn sóng thứ 2 từ những nghệ sĩ chơi nhạc gần với nhạc blues kiểu Mỹ, như The Stones hay The Yardbirds [ 79 ]. Các nghệ sĩ blues từ Anh cuối những năm 50 đầu những năm 60 bị ảnh hưởng tác động lớn với hình ảnh chiếc guitar acoustic từ Lead Belly và Robert Johnson [ 80 ]. Họ dần tăng thêm tính ồn ào với guitar điện phỏng theo phong thái Chicago blues, đặc biệt quan trọng là tour diễn của Muddy Waters vào năm 1958 đã gây cảm hứng cho Cyril Davies và Alexis Korner lập nên nhóm Blues Incorporated [ 81 ]. Chính ban nhạc này là tiền đề của sự sinh ra bùng nổ của những nghệ sĩ chơi British blues, gồm có những thành viên của Rolling Stones và Cream, hòa trộn blues nguyên thủy với những nhạc cụ và yếu tố của nhạc rock [ 42 ] .
Một trong những bước ngoặt là việc John Mayall lập nên nhóm Bluesbreakers mà sau này bao gồm cả Eric Clapton (sau khi chia tay The Yardbirds) và Peter Green. Điểm nhấn của họ chính là album Blues Breakers with Eric Clapton (1968) được coi là một trong những sản phẩm British blues thành công ở cả Anh lẫn Mỹ[82]. Eric Clapton từ đó tiến tới thành lập những siêu ban nhạc như Cream, Blind Faith rồi Derek and the Dominos, cùng với đó là một sự nghiệp solo vĩ đại góp phần đưa blues rock trở nên phổ biến[81]. Peter Green cùng với 2 cựu thành viên của Bluesbreakers là Mick Fleetwood và John McVie lập nên Fleetwood Mac – ban nhạc trở thành một trong những nghệ sĩ thành công nhất ở thể loại này[81]. Tới cuối những năm 60, tới lượt Jeff Beck – một tượng đài nữa từ The Yardbirds – chuyển từ blues rock sang chơi heavy rock với việc thành lập ban nhạc riêng The Jeff Beck Group[81]. 2 thành viên cuối cùng của The Yardbirds là Jimmy Page và John Paul Jones đổi tên ban nhạc từ The New Yardbirds thành Led Zeppelin mà phần nhiều những ca khúc trong 3 album đầu tay của nhóm và cả sau này rải rác suốt sự nghiệp của họ đều mang âm hưởng của nhạc blues truyền thống[81].
Ở Mỹ, blues rock đã được kiến thiết xây dựng từ đầu những năm 1960 bởi tay guitar Lonnie Mack [ 83 ], nhưng phong thái sớm bị lu mờ từ giữa những năm 60 bởi làn sóng từ những nghệ sĩ tới từ Anh. Những nghệ sĩ điển hình nổi bật nhất hoàn toàn có thể kể tới Paul Butterfield, Canned Heat, Jefferson Airplane những năm tiên phong, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band và Jimi Hendrix cùng với những ban nhạc vĩ đại của mình là The Jimi Hendrix Experience và Band of Gypsys mà năng lực chơi guitar cùng với biểu lộ nhóm đã gây ảnh hưởng tác động rất lớn suốt cả thập kỷ [ 81 ]. Một số nhóm blues rock tới từ phía Nam như Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, hay ZZ Top thì chơi rock với nhiều yếu tố đồng quê hơn để rồi tạo nên thể loại Southern rock [ 84 ] .Nhiều nhóm blues rock khởi đầu thường chơi theo kiểu jazz, chơi những đoạn dài và nhấn mạnh vấn đề vào những đoạn ngẫu hứng, dần trở thành những nhóm chơi progressive rock. Khoảng năm 1967, Cream và The Jimi Hendrix Experience khởi đầu xa dần tính blues truyền thống lịch sử để chuyển sang chơi psychedelia [ 85 ]. Tới những năm 1970, blues rock trở nên ” heavy ” hơn và được bộc lộ với nhiều kỹ thuật miết hơn qua những mẫu sản phẩm của Led Zeppelin và Deep Purple. Khác biệt giữa blues rock và hard rock ngày một ” trở nên rõ ràng ” với những album ” kiểu rock ” của họ [ 85 ]. Phong cách này vẫn liên tục sống sót với những nghệ sĩ như George Thorogood hay Pat Travers [ 81 ], tuy nhiên ở Anh, những ban nhạc mở màn chuyển dần sang chơi heavy metal ( ngoại lệ duy nhất có lẽ rằng là Status Quo và Foghat khi họ chuyển từ blues rock sang chơi boogie rock ), và blues rock khởi đầu ngày một chút ít phổ cập [ 86 ] .
Trong những năm 60, trào lưu nhạc folk ở Mỹ dần trở nên can đảm và mạnh mẽ, sử dụng âm nhạc và phong thái truyền thống lịch sử với nhạc cụ mộc [ 87 ]. Ở Mỹ, 2 cột trụ của trào lưu này là Woody Guthrie và Pete Seeger và thường được đánh đồng với progressive rock hay những trào lưu lao động [ 87 ]. Tới đầu những năm 60, những người tiên phong như Joan Baez và Bob Dylan đã khẳng định chắc chắn phong thái này trong vai trò ca sĩ – người viết nhạc [ 88 ]. Dylan đã trở nên nổi tiếng với công chúng qua những ca khúc như ” Blowin ‘ in the Wind ” ( 1963 ) và ” Masters of War ” ( 1963 ), nổi bật cho những ” bài hát phản kháng ” được biết đến thoáng đãng [ 89 ]. Cho dù có những tác động ảnh hưởng lẫn nhau, rock và folk vẫn phân tách thành 2 thể loại khác nhau tuy nhiên thường có những hội đồng người nghe chung [ 90 ] .Sự tích hợp tiên phong giữa nhạc folk và rock là ca khúc ” House of the Rising Sun ” ( 1964 ) của The Animals khi đây là ca khúc có được thành công xuất sắc thương mại tiên phong hát nhạc folk theo phong thái và bằng những nhạc cụ của nhạc rock [ 91 ], và sau đó ” I’m a Loser ” ( 1964 ) của The Beatles vốn lúc đó đã thừa nhận bị ảnh hưởng tác động bởi Dylan [ 92 ]. Phong trào folk rock trở nên thông dụng qua sự nghiệp của The Byrds khi họ hát lại ca khúc ” Mr. Tambourine Man ” của Dylan và đứng đầu bảng xếp hạng vào năm 1965 [ 90 ]. Với những thành viên vốn xuất phát là những người chơi folk ở những tụ điểm ở Los Angeles, The Byrds đã sử dụng nhạc rock, với trống, thậm chí còn cả cây guitar Rickenbacker 12 – dây – những thứ sau này trở thành yếu tố đặc trưng của thể loại này [ 90 ]. Về sau, Dylan khởi đầu sử dụng những nhạc cụ điện, dẫn tới những phản ứng xấu đi của những người nghe folk truyền thống lịch sử như với ca khúc tầm cỡ ” Like a Rolling Stone ” [ 90 ]. Folk rock tăng trưởng can đảm và mạnh mẽ ở California, với The Mamas và the Papas và Crosby, Stills and Nash cùng những nhạc cụ điện ; và ở Thành Phố New York với sự Open của The Lovin ‘ Spoonful và Simon và Garfunkel đặc biệt quan trọng bản hit ” The Sounds of Silence ” ( 1965 ) với những yếu tố của nhạc rock trở thành ca khúc tiên phong [ 90 ] .Làn sóng này cũng ảnh hưởng tác động trực tiếp tới nhiều nghệ sĩ Anh, như Donovan hay Fairport Convention. Năm 1969, Fairport Convention từ bỏ phong thái Mỹ của Dylan để chơi nhạc folk kiểu Anh truyền thống cuội nguồn với nhạc cụ điện [ 93 ]. Phong cách nhạc folk mới này tạo cảm hứng cho nhiều nghệ sĩ khác như Pentangle, Steeleye Span và The Albion Band, cũng như gợi ý cho những nhóm nhạc Ireland và Scotland như Horslips, JSD Band, Spencer’s Feat và sau đó Five Hand Reel quay trở về việc sử dụng những nhạc cụ truyền thống lịch sử để tạo nên phong thái Celtic rock vào những năm 1970 [ 94 ] .Folk rock đạt tới đỉnh điểm vào những năm 1967 – 1968, trước khi nó bị phân tách thành quá nhiều hướng khác nhau, điển hình như Dylan và The Byrds chuyển sang đi nâng cao vào country rock [ 95 ]. Tuy nhiên sự lai tạp giữa folk và rock lại có những tác động ảnh hưởng vô cùng quan trọng với lịch sử dân tộc nhạc rock, góp thêm phần đem tới tính psychedelia và tăng trưởng nền móng của những ca sĩ – người viết nhạc, những ca khúc phản chiến và cả quan điểm về tính ” xác nhận ” [ 90 ] [ 96 ] .
Âm nhạc psychedelic (phiêu diêu) từ những ảnh hưởng của chất LSD xuất hiện bên cạnh nhạc folk, khi nhóm Holy Modal Rounders sử dụng cụm từ này vào năm 1964 cho ca khúc “Hesitation Blues”[97]. Ban nhạc đầu tiên quảng bá thể loại này là 13th Floor Elevators khi họ tự gán phong cách này với họ vào cuối năm 1965; chỉ 1 năm sau họ cho phát hành album The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators[97]. The Beatles cũng nhanh chóng đưa vô số những yếu tố của thể loại này vào trong những sản phẩm của mình, như với “I Feel Fine” chơi guitar ngược, sau đó là “Norwegian Wood” trong Rubber Soul vào cuối năm 1965 sử dụng đàn sitar, và cách chơi guitar ngược trong “Rain” và nhiều ca khúc khác của Revolver mà họ phát hành 1 năm sau đó[98].
Psychedelic rock đã không được phát triển ở California sau khi The Byrds chuyển từ chơi nhạc folk sang folk rock vào năm 1965[98]. Song phong cách psychedelic vẫn tồn tại ở San Francisco với The Grateful Dead, Country Joe and the Fish, The Great Society và Jefferson Airplane[98]. The Byrds ngay lập tức phát triển từ folk rock thuần túy với đĩa đơn “Eight Miles High” mà họ bắt đầu nói về việc sử dụng ma túy. Ở Anh, một trong những nhóm nhạc có ảnh hưởng lớn nhất là The Yardbirds[98] với Jeff Beck là guitar chính, đã tiến sâu vào con đường psychedelic khi sử dụng nhịp “mê sảng”, thứ giọng hát kiểu Giáo hoàng và sáng tác những ca khúc có tầm ảnh hưởng lớn như “Still I’m Sad” (1965) và “Over Under Sideways Down” (1966)[99]. Từ năm 1966, văn hóa ngầm ở Anh được phát triển từ phía Bắc London, tạo nên những nhóm nhạc mới như Pink Floyd, Traffic và Soft Machine[100]. Trong cùng năm, album nổi tiếng Sunshine Superman của Donovan, được coi là một trong những bản thu hoàn chỉnh đầu tiên của psychedelic rock cùng với những album đầu tay của Cream và The Jimi Hendrix Experience, đã phát triển việc sử dụng kỹ năng bấm guitar thành yếu tố điển hình của thể loại này[98].
Psychedelic rock đạt tới đỉnh cao vào những năm cuối của thập niên này. Năm 1967 được đánh dấu bằng việc The Beatles phát hành siêu phẩm Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band với ca khúc gây nhiều tranh cãi “Lucy in the Sky with Diamonds”, dẫn tới việc The Stones phải tung ra Their Satanic Majesties Request cùng năm[98]. Pink Floyd cũng cho phát hành album đầu tay The Piper at the Gates of Dawn vốn được coi là sản phẩm psychedelic xuất sắc nhất của họ[98]. Ở Mỹ, Summer of Love được giới thiệu qua sự kiện Human Be-In và nổi tiếng ở Monterey Pop Festival, sự kiện giúp những Jimi Hendrix và The Who với đĩa đơn “I Can See for Miles” chính thức gia nhập vào dòng chảy psychedelic[101]. Những album tiêu biểu còn có Surrealistic Pillow của Jefferson Airplane và Strange Days của The Doors[102]. Làn sóng lên tới cực đỉnh tại Woodstock festival vào năm 1969 khi hầu hết các phần trình diễn đều theo phong cách này. Tuy nhiên, sau đó, psychedelic bắt đầu dần rơi vào quên lãng. Brian Wilson của The Beach Boys, Brian Jones của The Rolling Stones, Peter Green của Fleetwood Mac và Syd Barrett của Pink Floyd đều trở thành những con nghiện ma túy, trong khi The Jimi Hendrix Experience và Cream đều đã tan rã trước đó khiến cho nhạc rock dần chuyển thành roots rock, hoặc thành những thử nghiệm của progressive rock hoặc những tiền đề đầu tiên của hard rock[98].
Thời kỳ tăng trưởng ( cuối những năm 60 – giữa những năm 70 ).
Roots rock là khái niệm dành cho thời kỳ quá độ từ psychedelia trở về với thể loại nguyên gốc của rock là rock and roll pha lẫn với những thành tố chính của nó, ở đây là nhạc folk và nhạc đồng quê, từ đó hình thành nên 2 thể loại chính là country rock và Southern rock[103]. Năm 1966, Bob Dylan tới Nashville để thực hiện album nổi tiếng Blonde on Blonde[104]. Cho dù sản phẩm này chưa hoàn toàn mang tính đồng quê, song nó cũng góp phần quan trọng trong việc khai sinh ra country folk – một phong cách sau này trở thành tiền đề của mọi nghệ sĩ nhạc folk[104]. Những ban nhạc nổi bật khác có thể kể tới nhóm nhạc người Canada, The Band, và ban nhạc gốc California, CCR, đã hòa lẫn rock and roll với folk, blues và cả nhạc đồng quê và nhanh chóng trở thành những nhóm nhạc thành công nhất và có ảnh hưởng nhất từ cuối những năm 60[105]. Đây cũng là con đường của nhiều nghệ sĩ solo như Ry Cooder, Bonnie Raitt hay Lowell George,[106] thậm chí trong nhiều sản phẩm như Beggar’s Banquet (1968) của The Stones hay Let It Be (1970) của The Beatles[98].
Năm 1968, Gram Parsons thu âm Safe at Home cùng International Submarine Band và đây được coi là album country rock đúng nghĩa đầu tiên[107]. Chỉ 1 năm sau, ông hợp tác với The Byrds trong Sweetheart of the Rodeo (1968), được coi là một trong những album quan trọng nhất của thể loại này[107]. The Byrds tiếp tục theo đuổi phong cách này, song Parsons chia tay nhóm để cùng Chris Hillman lập nên The Flying Burrito Brothers để gây dựng hoàn chỉnh thể loại này trước khi Parsons bắt đầu sự nghiệp solo[107]. Những nhóm ở California trung thành với country rock còn có Hearts and Flowers, Poco and New Riders of the Purple Sage, Beau Brummels[107] và Nitty Gritty Dirt Band[108]. Một số nghệ sĩ đã thử nghiệm việc tái hiện lại âm thanh kiểu đồng quê, bao gồm: nhóm The Everly Brothers; ngôi sao tuổi teen Rick Nelson, sau này trở thành trụ cột của Stone Canyon Band; cựu thành viên của Monkee, Mike Nesmith, sau này lập nên nhóm First National Band; và dĩ nhiên, Neil Young[107]. The Dillards cũng là một nhóm nhạc đồng quê rồi chuyển sang rock. Tuy nhiên, thành công của thể loại này chỉ tới vào những năm 1970 với những Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt và The Eagles (được thành lập từ những cựu thành viên của Burritos, Poco và Stone Canyon Band) – ban nhạc đã trở thành một trong những biểu tượng thành công nhất của nhạc rock, trong đó có album nổi tiếng Hotel California (1976)[109].
Người khai sinh ra Southern rock là nhóm nhạc Allman Brothers Band, những người đã tăng trưởng những âm thanh mới gần giống với blues rock, tuy nhiên có thêm nhiều yếu tố khác như nốt lặp, nhạc soul và cả nhạc đồng quê của đầu những năm 70 [ 84 ]. Những người thành công xuất sắc tiếp theo chính là Lynyrd Skynyrd khi họ đã đem được hình ảnh của những ” Good ol ‘ boy ” [ gc 1 ] vào nhạc rock [ 84 ]. Những người thừa kế họ hoàn toàn có thể kể tới nhóm nhạc hòa tấu Dixie Dregs, nhóm nhạc đồng quê Outlaws, ban nhạc jazz Wet Willie và nhóm nhạc trộn lẫn rock với nhạc phúc âm cùng R&B, Ozark Mountain Daredevils [ 84 ]. Sau khi những thành viên chủ chốt của Allman và Lynyrd Skynyrd qua đời, thể loại này mất dần độ thông dụng từ cuối những năm 1970 tuy nhiên vẫn sống sót trong những năm 1980 với 1 số ít nghệ sĩ như. 38 Special, Molly Hatchet và The Marshall Tucker Band [ 84 ] .
Progressive rock, khái niệm vẫn thường được đánh đồng với art rock, là thể loại nhạc chơi rock với việc thử nghiệm cùng rất nhiều loại nhạc cụ, cấu trúc, giai điệu và âm thanh khác.[110]. Vào giữa những năm 1960, The Left Banke, The Beatles, The Rolling Stones hay The Beach Boys đều đã từng đem harpsichord, gió hay cả dàn dây vào những ca khúc mang cấu trúc của Baroque rock, có thể nghe trong ca khúc “A Whiter Shade of Pale” (1963) của Procol Harum với một đoạn mở đầu phỏng theo giai điệu của Bach[111]. The Moody Blues đã sử dụng dàn nhạc trong toàn bộ album Days of Future Passed (1967) và cũng giả âm thanh của dàn nhạc với các công cụ chỉnh âm[110]. Với progressive rock, các dàn nhạc giao hưởng, keyboard và máy chỉnh âm trở thành những yếu tố thường thấy bên cạnh những nhạc cụ quen thuộc của rock như guitar, trống, bass[112].
Các ban nhạc thường chơi phần hòa tấu nhạc cụ, còn phần ca từ thường đề cập tới những quan điểm, thường trừu tượng và dựa theo tưởng tượng hay khoa học viễn tưởng[113]. SF Sorrow (1968) của The Pretty Things, Tommy (1969) của The Who, Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) của The Kinks đã phát triển phong cách rock opera và mang tới khái niệm album chủ đề mà thường đề cập tới một câu chuyện hoặc một vấn đề xã hội nào đó[114]. Album đầu tay In the Court of the Crimson King (1969) của King Crimson đã trộn tiếng miết của guitar với mellotron, cùng jazz và dàn nhạc hòa tấu, thường được coi là cột mốc đánh dấu của progressive rock, góp phần khẳng định sự tồn tại của phong cách này như một thể loại mới vào những năm 1970 bên cạnh những nhóm nhạc chơi blues rock và psychedelic[110].
Sự thành công của làn sóng Canterbury đã dẫn tới những sản phẩm từ Soft Machine với psychedelia, trộn lẫn với jazz và hard rock, tiếp đó có cả Caravan, Hatfield and the North, Gong, và National Health[115]. Tuy nhiên, ban nhạc thành công nhất với phong cách này chính là Pink Floyd, một nhóm nhạc cũng chuyển ngạch sang từ psychedelia sau sự chia tay của Syd Barrett vào năm 1969, đặc biệt với siêu phẩm The Dark Side of the Moon (1973) vốn được coi là biểu tượng của progressive rock và vẫn là một trong những album bán chạy nhất mọi thời đại[116]. Phong cách này được tăng thêm tính thẩm mỹ với việc ban nhạc Yes trình diễn với cả tay guitar Steve Howe lẫn keyboard Rick Wakeman, trong khi siêu ban nhạc Emerson, Lake & Palmer lại trình diễn một thứ rock giàu tính kỹ thuật hơn[110]. Jethro Tull và Genesis cho dù vẫn mang tính “Anh” nhưng lại có những hướng đi rất khác nhau[117]. Nhóm Renaissance được thành lập vào năm 1969 bởi 2 cựu thành viên của Yardbirds là Jim McCarty và Keith Relf đã phát triển hình thức nhóm nhạc siêu-chủ-đề với ca sĩ giọng 3 quãng tám, Annie Haslam[118]. Hầu hết các ban nhạc của Anh đều bị ảnh hưởng bởi một quan điểm nào đó, thường không thực sự phổ biến, như Pink Floyd, Jethro Tull hay Genesis, đã trình làng những đĩa đơn xuất sắc tại đây và bắt đầu những bước tiến đầu tiên ở thị trường Mỹ[119].
Những nghệ sĩ progressive rock ở Mỹ lại rất lẫn lộn giữa tính chiết trung và cả sự thay đổi như Frank Zappa, Captain Beefheart và Blood, Sweat và Tears [ 120 ], với tính pop rock như Boston, Foreigner, Kansas, Journey hay Styx [ 110 ]. Bên cạnh những nhóm nhạc từ Anh như Superstramp hay ELO, những nghệ sĩ trên đã đem tới sự thành công xuất sắc của progressive suốt những năm 1970, mở đầu ra thời kỳ pomp hay arena rock cho tới khi rock festival tăng trưởng vào những năm 1990 do Ngân sách chi tiêu đắt đỏ của những buổi trình diễn progressive rock ( hiệu ứng âm thanh, ánh sáng cũng như thuê đội ngũ nhân viên cấp dưới ) [ 121 ] .
Một trong những sản phẩm quan trọng nhất đó là Tubular Bells (1973) của Mike Oldfield, bản thu đầu tiên và cũng là bản hit quốc tế đầu tiên của hãng Virgin Records[110]. Instrumental rock phát triển rộng khắp châu Âu, với những nhóm như Kraftwerk, Tangerine Dream, Can, và Faust đã đem phong cách âm nhạc này vượt qua cả những rào cản ngôn ngữ[122]. Krautrock phát triển với sự đóng góp của Brian Eno (khi đó vẫn còn là keyboard chính của Roxy Music) và gây ảnh hưởng lớn tới tiểu thể loại sau này của nó là synth rock[110]. Với sự phát triển của punk rock và công nghệ vào cuối những năm 1970, progressive dần biến mất rồi biến thể[123][124]. Rất nhiều nhóm nhạc tuyên bố tan rã, song số khác còn lại như Genesis, ELP, Yes, hay Pink Floyd tiếp tục có những album xuất sắc cùng với những tour diễn thành công[71]. Một vài nhóm bắt đầu khai phá nhạc punk, như Siouxsie and the Banshees, Ultravox và Simple Minds đã cho thấy rõ những ảnh hưởng của punk hơn hẳn so với progressive[125].
Vào cuối thập niên 1960, jazz rock nổi lên như một tiểu thể loại riêng biệt, tách ra khỏi blues rock, psychedelic và progressive rock, pha trộn giữa những cái hay của rock cùng với sự phức tạp về mặt âm nhạc và các yếu tố ngẫu hứng của jazz. Nhiều nhạc sĩ rock and roll Mỹ đã bắt đầu từ nhạc jazz và đem một số yếu tố của jazz đặt vào âm nhạc của họ. Ở Anh, tiểu thể loại của blues rock, cùng với những người dẫn đầu thể loại này như Ginger Baker và Jack Bruce của ban nhạc Cream, đã nổi lên từ nhạc jazz Anh. Vẫn thường được coi là thu âm nhạc jazz rock đầu tiên là album của một ban nhạc không mấy tiếng tăm ở New York, The Free Spirits, với album Out of Sight and Sound (1966). Những ban nhạc đã sử dụng các phần jazz trong các bài hát của mình như Electric Flag, Blood, Sweat & Tears và Chicago, đã trở thành nhiều trong số những nghệ sĩ có được thành công thương mại lớn nhất vào cuối thập niên 1960 đầu thập niên 1970.[126]
Nhiều nghệ sĩ người Anh nổi lên trong cùng thời kì này từ nhạc blues đã lợi dụng những khía cạnh âm điệu và tính ngẫu hứng của nhạc jazz, trong đó có Nucleus[127], Graham Bond và John Mayall từ ban nhạc Colosseum. Từ psychedelic rock, ở Canterbury xuất hiện một ban nhạc tên là Soft Machine, ban nhạc đã được dự đoán là sẽ sản xuất ra những sản phẩm hợp nhất thành công giữa hai thể loại âm nhạc. Có lẽ sự hợp nhất được đánh giá cao nhất đến từ phía nhạc jazz, với việc Miles Davis, bị ảnh hưởng đặc biệt bởi các tác phẩm của Hendrix, đã kết hợp phần rock không lời vào album của mình, Bitches Brew (1970). Sau đó, rock đã có một ảnh hưởng lớn tới các nghệ sĩ nhạc jazz, trong đó có Herbie Hancock, Chick Corea và Weather Report.[126] Thể loại này bắt đầu mờ nhạt dần vào cuối những năm 1970,[128] nhưng một số nghệ sĩ như Steely Dan,[128] Frank Zappa và Joni Mitchell đã thu âm một số lượng đáng kể các album với ảnh hưởng từ jazz trong thời kì này, và nó vẫn tiếp tục là một ảnh hưởng lớn của nhạc rock.[126]
Glam rock có nguồn gốc từ psychedelic và art rock từ cuối những năm 1960 và được coi như một sự lan rộng ra cũng như đối nghịch với cả hai thể loại trên [ 129 ]. Sự phong phú về mặt âm nhạc, từ những nghệ sĩ theo xu thế trở lại rock and roll nguyên thủy như Alvin Stardust cho tới thứ art rock phức tạp của Roxy Music, đều được coi là đặc trưng của phong thái này [ 129 ]. Nhìn chung glam rock trộn lẫn nhiều đặc thù từ nhiều phong thái khác nhau, từ những giai điệu Hollywood những năm 1930, qua cả thời kỳ hạn chế tình dục của thập niên 1950, rồi phong thái Cabaret thời tiền chiến, văn học thời kỳ Vitoria cùng với phong thái hình tượng, khoa học viễn tưởng đi kèm với những tích cổ và sự kiện huyền bí ; tổng thể bộc lộ ở vẻ vẻ bên ngoài qua phục trang, cách trang điểm, kiểu tóc và giày độn đế hoành tráng [ 130 ]. Glam rock còn được nhắc tới nhiều về việc lẫn lộn giới tính và là nguồn gốc của thời trang androgyny, bên cạnh việc tôn vinh thẩm mỹ và nghệ thuật sân khấu [ 131 ]. Ban đầu nó được định hình bởi những nghệ sĩ trình diễn nổi tiếng từ nước Mỹ như The Cockettes hay Alice Cooper [ 132 ] .
Nguồn gốc của glam rock có lẽ là từ Marc Bolan, người đổi tên ban nhạc folk T. Rex rồi mang tới cho họ những nhạc cụ điện thực sự mạnh mẽ vào cuối những năm 60. Nhiều nguồn có nhắc tới việc ông xuất hiện trong chương trình truyền hình Top of the Pops vào tháng 12 năm 1970 khi mặc đồ kim tuyến để trình diễn đĩa đơn quán quân đầu tiên trong sự nghiệp, “Ride a White Swan”[133]. Năm 1971, ngôi sao trẻ David Bowie nghĩ ra hình tượng Ziggy Stardust với cách trang điểm, điệu bộ và thái độ đặc trưng cho mỗi buổi diễn[134]. Không lâu sau, phong cách đó được nhiều nghệ sĩ theo đuổi, có thể kể tới Roxy Music, Sweet, Slade, Mott the Hoople, Mud và Alvin Stardust[134]. Cho dù có được thành công lớn tại Anh, chỉ vài người trong số họ tìm được tiếng nói tại Mỹ. Bowie có lẽ là ngoại lệ duy nhất khi có được tiếng vang toàn cầu và được nhắc tới là người mang tính glam cho nhiều nghệ sĩ nổi tiếng khác như Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls và Jobriath – thường được gọi chung dưới tên “glitter rock” vì phần ca từ thường bi quan hơn so với những nghệ sĩ người Anh[135]. Tại Anh, khái niệm “glitter rock” gắn liền với từ nhạc glam cực đại của Gary Glitter và nhóm Glitter Band của ông – những người có tới 18 đĩa đơn top 10 tại đây chỉ trong khoảng từ năm 1972 tới năm 1976[136].
Làn sóng thứ 2 là từ Suzi Quatro, Wizzard và Sparks, thống trị những bảng xếp hạng tại Anh trong những năm 1974 – 1976 [ 134 ]. Một vài kiểu cách khác, không trọn vẹn được gọi là glam, hoàn toàn có thể được nhắc tới qua vài nghệ sĩ như Rod Stewart, Elton John, Queen, thậm chí còn cả The Rolling Stones [ 134 ]. Nó cũng tác động ảnh hưởng trực tiếp tới nhiều hậu bối, hoàn toàn có thể kể tới Kiss hay Adam Ant, và gián tiếp tới vài phong thái khác như gothic rock hay glam metal và cả punk rock – phong thái đặt dấu chấm hết cho thời trang glam vào năm 1976 [ 135 ]. Glam rock sau này có được vài thành công xuất sắc nhỏ lẻ từ những nhóm như Chainsaw Kittens, The Darkness và nghệ sĩ R&B Prince [ 137 ] .
Soft rock, hard rock và tiền heavy metal.
Từ cuối những năm 1960, việc phân chia nhạc rock thành soft rock và hard rock bắt đầu trở nên phổ biến.[138] Soft rock thường có nguồn gốc từ folk rock, sử dụng các nhạc cụ đệm nhẹ và chú tâm hơn vào phần giai điệu và hòa âm. Một số nghệ sĩ lớn của soft rock bao gồm Carole King, Cat Stevens và James Taylor.[138] Soft rock đạt đến đỉnh cao của thương mại vào khoảng từ giữa đến cuối thập niên 1970 với một số nghệ sĩ như Billy Joel, America, và ban nhạc Fleetwood Mac với album Rumours (1977) là album bán chạy nhất của thập kỉ.[139] Ngược lại, hard rock thường được bắt nguồn từ blues rock và được chơi với cường độ lớn hơn.[140] Nhạc hard rock nổi bật với tiếng guitar điện, là nhạc cụ chính độc lập hoặc cũng có thể là nhạc cụ sử dụng để lặp đi lặp lại những câu nhạc đơn giản, và thường được sử dụng cùng với hiệu ứng biến dạng âm thanh và nhiều hiệu ứng khác.[140] Một số nghệ sĩ chính của thể loại nhạc này bao gồm các ban nhạc nổi lên từ cuộc xâm lăng British Invasion như The Who và The Kinks, cũng như những nghệ sĩ trong thời kì psychedelic như Cream, Jimi Hendrix và The Jeff Beck Group.[140] Nhiều ban nhạc ảnh hưởng bởi hard rock đã đạt được những thành công quốc tế to lớn, trong đó có ban nhạc Queen,[141] Thin Lizzy,[142] Aerosmith và AC/DC.[140]
Từ cuối những năm 1960, thuật ngữ ” heavy metal ” mở màn được sử dụng để miêu tả loại nhạc hard rock được chơi với cường độ và âm thanh mạnh hơn. Mới đầu, ” heavy metal ” được sử dụng như một tính từ, nhưng đến đầu thập niên 1970, nó trở thành một danh từ. [ 143 ] Thuật ngữ này được sử dụng lần tiên phong trong đĩa đơn ” Born to Be Wild ” ( 1967 ) của ban nhạc Steppenwolf và khởi đầu trở nên phổ cập khi được sử dụng bởi những ban nhạc như Blue Cheer ( Boston ) và Grand Funk Railroad ( Michigan ). [ 144 ] Ðến năm 1970 ba ban nhạc chính của Anh đã tăng trưởng những âm thanh và phong thái đặc trưng, giúp định hình tiểu thể loại này. Led Zeppelin thêm những yếu tố kỳ ảo vào câu nhạc đậm chất blues-rock, Deep Purple đem đến những gia vị kiểu trung cổ và mang tính giao hưởng, và Black Sabbath ra mắt những góc nhìn gothic của rock, góp thêm phần sản xuất ra những âm thanh ” tối hơn “. [ 145 ] Những yếu tố này liên tục được sử dụng bởi ” thế hệ thứ hai ” của những ban nhạc heavy metal vào cuối thập niên 1970, trong đó có Judas Priest, UFO, Motörhead và Rainbow ở Anh ; Kiss, Ted Nugent, và Blue Öyster Cult ở Mỹ ; Rush ở Canada và Scorpions ở Đức, toàn bộ đều ghi lại sự lan rộng ra về độ phổ cập của tiểu thể loại này. [ 145 ] Mặc dù thiếu sự hậu thuẫn của những đài phát thanh và ít khi Open trên những bảng xếp hạng đĩa đơn nhưng vào cuối thập niên 1970, nhạc heavy metal đã có được một sự chăm sóc đáng kể, đặc biệt quan trọng là ở phái mạnh vị thành niên thuộc những tầng lớp lao động ở Bắc Mỹ và châu Âu. [ 146 ]
Làn sóng Punk ( từ giữa những năm 70 tới hết những năm 80 ).
Punk rock được tăng trưởng vào nhũng năm 1974 đến 1976 ở Mỹ và Anh. Bắt nguồn từ garage rock và thể loại âm nhạc mà giờ đây vẫn được gọi là nhạc protopunk, những ban nhạc punk rock tránh mặt sự nhận thức thái quá của nhạc rock đại trà phổ thông của những năm 1970. [ 154 ] Họ tạo ra những loại nhạc thô ráp với nhịp điệu nhanh, nổi bật là những bài hát ngắn, những đoạn nhạc không lời đơn thuần và lời bài hát mang tính chính trị, chống thể chế. Punk cũng bao hàm cả đạo lý DIY ( do it yourself – tự triển khai ), bởi nhiều ban nhạc đã tự đứng ra sản xuất những bản thu âm của mình và phân phối chúng cho những kênh truyền hình không chính thức. [ 155 ]Đến cuối năm 1976, 1 số ít nghệ sĩ như Ramones và Patti Smith ở Thành phố Thành Phố New York, cùng với Sex Pistols và The Clash ở London đã được coi như là những người tiên phong của trào lưu âm nhạc mới lạ này. [ 154 ] Năm tiếp theo đó đã tận mắt chứng kiến sự lan tỏa của punk rock trên toàn quốc tế. Dù chỉ trong một thời hạn ngắn nhưng punk đã nhanh gọn trở thành một hiện tượng văn hóa lớn ở Anh. Phần lớn, punk bén rễ trên những sân khấu của những địa phương có xu thế phủ nhận tiếp xúc tới dòng nhạc phổ thông. Một tiểu văn hóa truyền thống punk đã nổi lên, bộc lộ qua cuộc làm mưa làm gió của những thanh thiếu niên, đồng thời được đặc trưng bởi phong thái thời trang đặc biệt quan trọng và một loạt những tư tưởng chống độc tài. [ 156 ]Đến khoảng chừng đầu thập niên 1980, những phong thái âm nhạc với nhịp điệu nhanh hơn và can đảm và mạnh mẽ hơn như hardcore và Oi ! đã trở thành một phương pháp nổi trội của punk rock. [ 157 ] Điều này đã giúp tạo ra 1 số ít dòng nhạc mới từ hardcore punk như D-beat ( một tiểu thể loại được tác động ảnh hưởng bởi ban nhạc người Anh Discharge ), anarcho-punk ( như ban nhạc Crass ), grindcore ( nổi bật là ban nhạc Napalm Death ), và crust punk. [ 158 ] Những nhạc sĩ đồng cảm với punk hoặc được truyền cảm hứng bởi punk cũng theo đuổi một loạt những thể loại âm nhạc khác được biến thể từ punk, dẫn đến sự nổi lên của New Wave, post-punk và trào lưu alternative rock. [ 154 ]
Mặc dù punk rock là một hiện tượng kỳ lạ xã hội và hiện tượng kỳ lạ âm nhạc rất có ý nghĩa, nhưng dòng nhạc này lại không đạt được nhiều thành công xuất sắc cả về mặt doanh thu ( được phân phối bởi những hãng đĩa nhỏ như Stiff Records ) [ 159 ] lẫn lượt phát trên những đài phát thanh Mỹ ( bởi những đài phát thanh vẫn liên tục bị chi phối bởi những dòng nhạc phổ thông như disco và album-oriented rock ). [ 160 ] Punk rock đã lôi cuốn được những Fan Hâm mộ nghệ thuật và thẩm mỹ và thuộc những trường ĐH, và những ban nhạc như Talking Heads và Devo đã mở màn xâm nhập vào thị trường nhạc punk ; ở nhiều nơi, thuật ngữ ” New Wave ” ( ” Làn sóng mới ” ) mở màn được sử dụng để phân biệt những ban nhạc punk ít công khai minh bạch. [ 161 ] Các nhà quản lý và điều hành thu âm, những người khá sợ hãi về trào lưu nhạc punk này, đã nhận ra tiềm năng dễ tiếp cận của những nghệ sĩ nhạc New Wave, họ khởi đầu tích cực ký kết và tiếp thị bất kể ban nhạc mà có tiềm năng về punk hay New Wave. [ 162 ] Nhiều ban nhạc, trong đó có The Cars và The Go-Go ‘ s, hoàn toàn có thể được coi là ban nhạc pop thị trường của New Wave ; [ 163 ] một số ít nghệ sĩ khác như The Police, The Pretenders và Elvis Costello lại sử dụng trào lưu New Wave làm bàn đạp cho sự nghiệp tương đối dài và thành công xuất sắc của mình, [ 164 ] trong khi những ban nhạc ” cà vạt mỏng mảnh ” như The Knack, [ 165 ] hay ban nhạc ăn ảnh Blondie, lại mở màn sự nghiệp với nhạc punk và sau đó dần tiến vào khu vực có tính thương mại cao hơn .Giữa năm 1979 và 1985, với tác động ảnh hưởng của Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, David Bowie, và Gary Numan, dòng nhạc British New Wave của Anh đã đi theo khunh hướng của trào lưu New Romantics với những ban nhạc như Spandau Ballet, Ultravox, Nhật Bản, Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk và Eurythmics, thường sử dụng nhạc cụ tổng hợp để thay thế sửa chữa những nhạc cụ khác. [ 166 ] Thời kỳ này trùng khớp với sự nổi lên của Một Thành Viên và dẫn đến sự bùng nổ của dòng nhạc này, tạo ra những đặc trưng của cuộc British Invasion thứ hai. [ 167 ] Nhiều ban nhạc rock truyền thống lịch sử khác đã thích nghi với thời đại video và hưởng lợi từ sóng đài phát thanh của Một Thành Viên, rõ ràng nhất là Dire Straits với đĩa đơn ” Money for Nothing ” đã nhẹ nhàng chế diễu những nhà ga, mặc kệ thực tiễn là nó đã giúp cho họ trở thành ngôi sao 5 cánh quốc tế, [ 168 ] nhưng về mặt chung thì rock guitar phương đông đã bị làm cho lu mờ. [ 169 ]
New Waves và những thể loại của heavy metal.
Dù có nhiều ban nhạc mới thành lập vẫn duy trì việc biểu diễn và thu âm nhưng nhạc heavy metal bắt đầu vắng bóng mặc cho sự phát triển của trào lưu nhạc punk vào giữa thập niên 1970. Thời kì này cũng chứng kiến sự nổi lên của các ban nhạc như Motörhead, ban nhạc đã làm nên tính đa cảm của punk, và Judas Priest, ban nhạc đã tạo nên dạng âm thanh đơn giản, tức là loại bỏ phần lớn các yếu tố nhạc blues còn sót lại, từ album năm 1978 của họ, Stained Class.[176] Sự thay đổi này được so sánh với punk và đến cuối thập niên 1970, nó được biết đến với tên gọi New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM).[177] Nhiều ban nhạc đã bắt đầu đi theo xu hướng này, bao gồm Iron Maiden, Vardis, Diamond Head, Saxon, Def Leppard và Venom, và nhiều trong số họ đã đạt được những thành công đáng kể tại thị trường Mỹ. Cũng trong thập kỉ này, Eddie Van Halen đã tự tạo dựng cho bản thân mình hình ảnh của một bậc thầy guitar nhạc metal sau khi ban nhạc của anh phát hành album cùng tên, Van Halen vào năm 1978. Randy Rhoads và Yngwie Malmsteen cũng trở thành những bậc thầy có uy tín, họ đi theo dòng nhạc mà thời nay người ta hay gọi là phong cách neo-classical metal.[178]
Lấy cảm hứng từ NWOBHM cùng với sự thành công của Van Halen, dòng nhạc metal bắt đầu phát triển ở miền Nam California vào cuối thập niên 1970, dựa trên các câu lạc bộ của khu Sunset Strip tại L.A., bao gồm các ban nhạc như Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe, và W.A.S.P., những ban nhạc này, cùng với những nghệ sĩ có phong cách tương tự như Twisted Sister đến từ New York, đã hợp nhất nghệ thuật sân khấu (đôi khi là tính chất) của những nghệ sĩ nhạc glam rock như Alice Cooper và Kiss.[179] Phần lời bài hát của các ban nhạc glam metal này thường nhấn mạnh về chủ nghĩa khoái lạc và các hành vi ngông cuồng, đồng thời phần nhạc được phân biệt bởi tiếng shred guitar đơn liên thanh, phần điệp khúc lôi cuốn và phần dẫn dắt du dương. Đến khoảng giữa thập niên 1980 các ban nhạc bắt đầu nổi lên ở L.A., theo đuổi một hình ảnh ít quyến rũ và âm thanh thô hơn, đặc biệt là ban nhạc Guns N’ Roses, đột phá với album Appetite for Destruction (1987), và Jane’s Addiction với việc ra mắt album Nothing’s Shocking sau đó một năm.[180]
Vào cuối thập niên 1980 metal bị phân loại ra thành nhiều tiểu thể loại nhỏ, trong đó có thrash metal, một tiểu thể loại được tăng trưởng tại Mỹ từ phong thái speed metal, dưới sự tác động ảnh hưởng của hardcore punk, với giai điệu guitar với khoảng âm thấp thường được phủ lên bởi tiếng shredding. [ 181 ] Lời bài hát thường bày tỏ quan điểm hư vô hoặc đối phó với những tệ nạn xã hội bằng việc sử dụng ngôn từ một cách máu me và ghê rợn. Thrash metal đã được thông dụng bởi ” Big Four of Thrash ” ( ” Tứ Đại nhạc Thrash ” ) : Metallica, Anthrax, Megadeth, và Slayer. [ 182 ] Death metal được tăng trưởng lên từ thrash, đặc biệt quan trọng chịu ảnh hưởng tác động của những ban nhạc Venom và Slayer. Ban nhạc Death từ Florida và ban nhạc Possessed từ Bay Area thường nhấn mạnh vấn đề phần lời bài hát với những chủ đề về sự báng bổ, yêu thuật, thuyết nghìn năm, với giọng hầu âm ” death growl “, những tiếng thét the thé, bổ trợ bởi down-tuned, tiếng biến dạng cao của guitar và bộ gõ bass đôi. [ 183 ] Black metal, cũng chịu tác động ảnh hưởng của Venom và được tiên phong bởi ban nhạc Mercyful Fate ( Đan Mạch ), Hellhammer và Celtic Frost ( Thụy Sĩ ), và Bathory ( Thụy Điển ), có nhiều điểm tương đương về mặt âm thanh so với death metal, nhưng trong sản xuất lại thường được lo-fi một cách cố ý và thường nhấn mạnh vấn đề vào những chủ đề về satan và chủ nghĩa tà giáo. [ 184 ] [ 185 ] Ban nhạc Bathory đóng vai trò đặc biệt quan trọng quan trọng trong việc tạo cảm hứng cho những tiểu thể loại xa hơn là Viking metal và folk metal. [ 186 ] Power metal nổi lên ở châu Âu vào cuối những năm 1980 như một phản ứng so với sự khắc nghiệt của death và black metal và được tạo nên bởi ban nhạc người Đức Helloween, ban nhạc đã kết hợp phần dẫn dắt du dương với vận tốc và nguồn năng lượng của thrash. [ 187 ] Ban nhạc DragonForce ( Anh ) [ 188 ] và Iced Earth ( Florida ) [ 189 ] có phần nhạc tương tự như như NWOBHM, trong khi những nghệ sĩ khác như Kamelot ( Florida ), Nightwish ( Phần Lan ), Rhapsody of Fire ( Ý ), và Catharsis ( Nga ) lại có thêm những âm thanh mang tính ” giao hưởng ” dựa trên piano, nhiều lúc sử dụng thêm những dàn nhạc và những ca sĩ opera. trái lại với tiểu thể loại khác, doom metal, chịu ảnh hưởng tác động của Gothic rock, lại có phần nhạc chậm rãi, với những ban nhạc như những ban nhạc người Anh Pagan Altar và Witchfinder General, những ban nhạc người Mỹ Pentagram, Saint Vitus và Trouble, nhấn mạnh vấn đề vào phần giai điệu, những down-tuned guitar, những âm thanh ” dày hơn ” và ” nặng hơn ” cùng với tâm trạng tang tóc, sầu thảm. [ 190 ] [ 191 ] Các ban nhạc người Mỹ như Queensrÿche và Dream Theater là những ban nhạc tiên phong đã thành công xuất sắc trong việc hợp nhất NWOBHM và progressive rock, tạo thành một thể loại nhạc mới được gọi là progressive metal, [ 192 ] cùng với những ban nhạc như Symphony X tích hợp những góc nhìn của power metal và nhạc cổ xưa với phong thái này, trong khi đó ban nhạc người Thụy Điển Opeth lại tăng trưởng một phong thái độc lạ tích hợp cả death metal và progressive rock của những năm 1970. [ 193 ]
Âm nhạc Mỹ hướng rock tới thể loại heartland rock, đặc trưng bởi thứ âm nhạc bộc trực, tương quan tới đời sống thường thì của những người công nhân áo xanh, Open nhiều trong những năm 70. Cụm từ ” heartland rock ” vốn nhằm mục đích để miêu tả arena rock từ vùng Trung Tây Hoa Kỳ với những nhóm như Kansas, REO Speedwagon hay Styx vốn có nhiều sáng tác tương quan tới xã hội hơn roots rock và bị tác động ảnh hưởng trực tiếp hơn từ folk, nhạc đồng quê và rock and roll [ 194 ]. Đây được coi là thứ nhạc đặc trưng của vùng Trung Tây và Rust Belt trái chiều với country rock ở bờ Tây hay Southern rock ở phía Nam [ 195 ]. Vốn bắt đầu được so sánh với punk và New Wave, phong thái này dần được định hình bởi Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival và Van Morrison, thứ garage rock của những năm 60 và đương nhiên, The Rolling Stones [ 196 ] .
Với những thành công vang dội từ những ca sĩ – nhạc sĩ tên tuổi như Bruce Springsteen, Bob Seger, và Tom Petty, heartland còn được biết tới nhiều qua các nghệ sĩ như Southside Johnny and the Asbury Jukes và Joe Grushecky and the Houserockers và góp phần đóng góp những ý kiến về quá trình xuống cấp của các thành phố sau thời kỳ công nghiệp hóa ở vùng Tây và Trung Mỹ, chủ yếu nhấn mạnh vào vấn đề phân tán xã hội và biệt lập, bên cạnh việc xây dựng một phong cách rock and roll kiểu mới[196]. Phong cách này đạt những thành công thương mại, nghệ thuật cũng như ảnh hưởng lâu dài với đỉnh cao vào khoảng giữa những năm 80 với album Born in the USA (1984) của Springsteen, đứng đầu rất nhiều bảng xếp hạng trên toàn thế giới cùng hàng loạt đĩa đơn thành công, rồi sau đó là sự xuất hiện của những John Mellencamp, Steve Earle và các ca sĩ – nhạc sĩ kiểu mới như Bruce Hornsby. Những ảnh hưởng còn có thể được thấy rõ qua các nghệ sĩ sau này như Billy Joel[197], Kid Rock[198] hay The Killers[199].
Cùng với nhạc rock nói chung, heartland giảm dần sự quan tâm vào đầu những năm 90, và hình tượng tầng lớp áo xanh cổ trắng dần mất ảnh hưởng tác động với những tầng lớp trẻ. Các nghệ sĩ mở màn dần theo những mối chăm sóc riêng [ 196 ]. Rất nhiều nghệ sĩ vẫn liên tục có những loại sản phẩm thành công xuất sắc về mặt thương mại cũng như trình độ, như Bruce Springsteen, Tom Petty và John Mellencamp, mặc dầu những loại sản phẩm của họ mang nhiều tính cá thể và thử nghiệm hơn, và những ca khúc cũng ngày một khó khăn vất vả hơn để trở thành đĩa đơn. Nhiều nghệ sĩ hậu bối từng theo đuổi heartland trong những năm 1970 và 1980 như Bottle Rockets hay Uncle Tupelo sau này đã chuyển dần sang chơi alt-country [ 200 ] .
Sự sinh ra của alternative.
Thời kỳ alternative ( thập niên 90 ).
Bài cụ thể : Grunge
Những nhóm như Green River, Soundgarden, The Melvins và Skin Yard là những người khai sinh ra thể loại này, song Mudhoney mới là nghệ sĩ thành công nhất vào cuối thập niên 1980. Tuy nhiên, grunge chỉ thực sự được biết tới qua hiện tượng Nevermind của Nirvana vào năm 1991 với thành công của đĩa đơn nổi tiếng “Smells Like Teen Spirit”[211]. Nevermind mang nhiều tính giai điệu hơn bất kỳ sản phẩm trước đó, và ban nhạc thực tế cũng từ chối việc quảng bá và tiếp thị sản phẩm theo cách truyền thống. Trong những năm 1991 và 1992, lần lượt các album Ten của Pearl Jam, Badmotorfinger của Soundgarden, Dirt của Alice in Chains và sản phẩm kết hợp giữa các thành viên của Pearl Jam và Soundgarden, Temple of the Dog, đều xuất hiện trong các bảng xếp hạng album bán chạy nhất[212]. Hầu hết các nhãn đĩa đều được ký xung quanh khu vực Seattle, song cũng có nhiều nghệ sĩ đã thử tới các thành phố khác với hi vọng có thêm những thành công[213]. Tuy nhiên, cái chết của Kurt Cobain cùng với sự tan rã sau đó của Nirvana vào năm 1994, những trục trặc trong chuyến lưu diễn của Pearl Jam và sự ra đi của thủ lĩnh nhóm Alice in Chains – Layne Staley – vào năm 1996 đã khiến thể loại này nhanh chóng bị rơi vào quên lãng: hoặc bị lu mờ trước cái bóng của britpop, hoặc bị thương mại hóa và trở thành post-grunge[214].
Bài cụ thể : Britpop
Một số ban nhạc post-grunge, ví dụ như Candlebox, là đến từ Seattle, nhưng tiểu thể loại này lại được đánh dấu bởi việc mở rộng lãnh thổ nhạc grunge với các ban nhạc như Audioslave từ Los Angeles, Collective Soul từ Georgia, Silverchair từ Úc và Bush từ Anh, những người đã giúp củng cố nhạc post-grunge trở thành một trong những tiểu thể loại có tiềm năng thương mại lớn nhất vào cuối những năm 1990.[201][214] Mặc dù các ban nhạc nam phần lớn chiếm ưu thế, nhưng album phòng thu năm 1995 Jagged Little Pill của nữ nghệ sĩ solo Alanis Morissette, một album nhạc post-grunge, cũng trở thành một album nổi tiếng với rất nhiều đĩa bạch kim được chứng nhận.[219] Các ban nhạc như Creed và Nickelback đã đem post-grunge vào thế kỉ 21 với nhiều thành công thương mại đáng kể, loại bỏ hầu hết những sự lo lắng và tức giận thường thấy ở dòng nhạc này trong những năm đầu và giúp cho giai điệu được phổ thông hơn, với những câu chuyện và các bài hát lãng mạn. Theo sau xu hướng này còn có các nghệ sĩ như Shinedown, Seether, 3 Doors Down và Puddle of Mudd.[217]
Nguồn gốc của pop punk những năm 1990 có thể được thấy ở các ban nhạc thuộc trào lưu nhạc punk vào những năm 1970 như The Buzzcocks và The Clash, những nghệ sĩ nhạc New Wave đạt nhiều thành công lớn về mặt thương mại như The Jam và The Undertones, và các yếu tố có nhiều ảnh hưởng bởi hardcore hơn của alternative rock thập niên 1990.[220] Pop punk có xu hướng sử dụng những giai điệu của power pop và sự thay đổi hợp âm với tiết tấu punk nhanh và tiếng guitar lớn.[221] Nhạc punk tạo ra nguồn cảm hứng cho một số ban nhạc California trong các hãng đĩa độc lập vào cuối thập niên 1990, điển hình là Rancid, Pennywise, Weezer và Green Day.[220] Năm 1994, Green Day chuyển sang một hãng đĩa lớn và sản xuất album phòng thu Dookie, và nhanh chóng tìm được một lượng khán giả mới, chủ yếu là các thanh thiếu niên, đồng thời trở thành một thành công thương mại vô cùng bất ngờ với chứng nhận đĩa Kim cương tại Mỹ, dẫn theo sau đó một loạt những đĩa đơn nổi tiếng, bao gồm hai đĩa đơn quán quân tại Mỹ.[201] Nhanh chóng sau đó là việc ra mắt album phòng thu cùng tên của ban nhạc Weezer, một album với ba đĩa đơn top 10 tại Mỹ.[222] Sự thành công này đã mở tung cánh cửa cho doanh số bán đa Bạch kim của ban nhạc metallic punk The Offspring với album Smash (1994).[201] Làn sóng đầu tiên của nhạc pop punk đã đạt đến đỉnh cao của thương mại với việc phát hành album Nimrod (1997) của Green Day và Americana (1998) của The Offspring.[223]
Làn sóng thứ hai của pop punk được khởi xướng bởi ban nhạc Blink-182 với album đột phá Enema of the State (1999), theo sau đó là các ban nhạc như Good Charlotte, Bowling for Soup và Sum 41, các ban nhạc đã đưa những yếu tố hài hước vào trong các video của họ cùng với phần âm nhạc có giai điệu thân thiện với đài phát thanh hơn, trong khi vẫn giữ được tốc độ, một số quan điểm và thậm chí là cả hình ảnh của nhạc punk năm 1970.[220] Các ban nhạc pop punk sau đó như Simple Plan, The All-American Rejects và Fall Out Boy đã tạo ra những bài hát với âm thanh được mô tả là gần giống như hardcore của những năm 1980, trong khi vẫn đạt được nhiều thành công thương mại đáng kể.[220]
Trong những năm 80, khái niệm indie rock và alternative rock vẫn bị sử dụng lẫn lộn [ 224 ]. Tới giữa những năm 90, những trào lưu mới mở màn có được những mối chăm sóc lớn hơn, từ grunge tới Britpop, post-grunge và pop-punk, dẫn tới alternative dần bị mất đi ý nghĩa vốn có [ 224 ]. Những ban nhạc đó ngày một có được ít thành công xuất sắc thương mại hơn và rồi dần gia nhập những nhãn đĩa indie [ 224 ]. Họ thường đặc trưng bởi việc chỉ phát hành album qua những hãng đĩa tự do hoặc của chính họ, trong khi tiếp thị chúng qua những tour diễn, truyền miệng, những buổi phát thanh và cả những buổi phát sóng tại những trường học [ 224 ]. Được gắn liền với những phong tục hay thói quen hơn quan điểm âm nhạc, indie rock tự bao hàm nhiều phong thái khác nhau, từ hard-edged, grunge như The Cranberries hay Superchunk, tới do-it-yourself như Pavement và punk-folk như Ani DiFranco [ 201 ] [ 202 ]. Với indie, những nghệ sĩ nữ Open tới tỉ lệ lớn hơn hẳn những thể loại khác, từ đó dẫn tới sự hình thành của phong thái Riot grrrl [ 225 ]. Indie rock tăng trưởng ở rất nhiều vương quốc, những nhóm nhạc vẫn có được sự nổi tiếng nhất định để sống sót tuy nhiên thường họ vẫn ít được biết tới ngoài biên giới [ 226 ] .Tới cuối những năm 1990, rất nhiều tiểu thể loại vốn bắt nguồn từ làn sóng alternative của những năm 80 đã hòa vào khái niệm của indie. Lo-fi ( viết tắt của low fidelity ) từ trào lưu do-it-yourself rời bỏ những kỹ thuật thu âm tốt và được đi đầu bởi những nghệ sĩ như Beck, Sebadoh hay Pavement [ 201 ]. Talk Talk và Slint truyền cảm hứng cho post-rock ( một phong thái nhạc ảnh hưởngh bởi jazz và âm nhạc điện tử, tiên phong bởi những nhóm chủ chốt như Bark Psychosis và tiếp nối bởi Tortoise, Stereolab và Laika ) [ 227 ] [ 228 ], và giúp dẫn tới math rock, một loại nhạc có cấu trúc phức tạp, lấy tiếng guitar được chơi cầu kỳ làm nền tảng, được tăng trưởng bởi những nhóm như Polvo hay Chavez [ 229 ]. Space rock làm gợi nhớ tới progressive, đặt nặng về drone ( loại nhạc lập lại ) và âm nhạc tối giản như Spacemen 3, Spectrum và Spiritualized, rồi sau đó là những nhóm như Flying Saucer Attack, và Quickspace [ 230 ]. Trái lại, sadcore của American Music Club hay Red House Painters nhấn mạnh vấn đề nỗi đau và sự chịu đựng qua việc sử dụng cả nhạc cụ điện và acoustic giàu tính giai điệu [ 231 ], trong khi sự ” tái xuất ” của Baroque pop như một sự trái chiều với lo-fi và experimental khi nhấn mạnh vấn đề vào giai điệu và nhạc cụ cổ xưa với những nhóm như Arcade Fire, Belle and Sebastian và Rufus Wainright [ 232 ] .
Alternative metal, rap rock và nu metal.
Từ khoảng chừng năm 1997, do sự Open của những bất mãn với khái niệm Cool Britannia, và trào lưu Britpop mở màn được giải thể, những ban nhạc mới nổi mở màn tránh mặt những hãng đĩa nhạc Britpop trong khi họ vẫn sản xuất âm nhạc lấy nguồn gốc từ dòng nhạc này. [ 233 ] [ 234 ] Nhiều trong số những ban nhạc này có xu thế phối hợp những yếu tố của British traditional rock ( hay gọi tắt là British trad rock ), [ 235 ] đặc biệt quan trọng là The Beatles, Rolling Stones và Small Faces, [ 236 ] với những tác động ảnh hưởng của âm nhạc Mỹ, gồm có cả post-grunge. [ 237 ] [ 238 ] Từ khắp Vương quốc Anh ( cùng với một số ít ban nhạc quan trọng nổi lên từ miền Bắc nước Anh, Scotland, xứ Wales và Bắc Ireland ), chủ đề âm nhạc của họ có xu hưởng ít tập trung chuyên sâu vào nước Anh, người Anh và đời sống ở London, đồng thời mang tính nội tâm hơn là khi Britpop đang ở đỉnh điểm. [ 239 ] [ 240 ] Điều này, bên cạnh sự chuẩn bị sẵn sàng cao để lôi cuốn báo giới và người hâm mộ Mỹ tham gia, hoàn toàn có thể đã giúp 1 số ít ban nhạc trong số họ đạt được những thành công xuất sắc mang tầm quốc tế. [ 241 ]
Các ban nhạc post-Britpop được coi là những người đã đem đến cho công chúng hình ảnh của một ngôi sao nhạc rock như một người bình thường và âm nhạc ngày càng du dương của họ bị chỉ trích là nhạt nhẽo hoặc phái sinh.[242] Một số ban nhạc post-Britpop như The Verve với Urban Hymns (1997), Radiohead với OK Computer (1997), Travis với The Man Who (1999), Stereophonics với Performance and Cocktails (1999), Feeder với Echo Park (2001) và đặc biệt không thể không kể đến Coldplay với album phòng thu đầu tay Parachutes (2000), đã đạt được những thành công quốc tế lớn hơn nhiều so với hầu hết các ban nhạc Britpop đi trước, và là nhiều trong những nghệ sĩ đạt được thành công thương mại lớn nhất vào cuối những năm 1900 và đầu những năm 2000, đồng thời cũng là một bệ phóng vững chắc cho những dòng nhạc tiếp sau đó như garage rock hay post-punk revival, cũng được coi là một sự phản ứng đối với một thể loại mới của rock.[238][243][244][245]
Thiên niên kỷ mới ( những năm 2000 ).
Từ đầu đến giữa thập niên 1980, post-hardcore tăng trưởng ở Hoa Kỳ, đặc biệt quan trọng ở những khu vực thuộc Chicago và Washington, D.C, với những ban được truyền cảm hứng từ tư tưởng do-it-yourself và chất nhạc nặng tiếng guitar của hardcore punk, nhưng lại chịu ảnh hưởng tác động từ post-punk, được biểu lộ ở những đặc thù như định dạng bài hát dài, cấu trúc âm nhạc phức tạp hơn và đôi lúc lời ca giàu giai điệu hơn. Một ban xuất phát từ con đường hardcore hoàn toàn có thể kể đến là Fugazi. [ 246 ] Từ cuối thập niên 1980, 1 số ít ban đã theo con đường của Fugazi, gồm có Quicksand, [ 247 ] Girls Against Boys [ 248 ] và The Jesus Lizard. [ 249 ] Những ban xây dựng trong thập niên 1990 gồm có Thursday, [ 250 ] Thrice, [ 251 ] Finch, [ 252 ] và Poison the Well. [ 253 ]
Emo cũng nổi lên từ giới hardcore thập niên 1980 ở Washington, D.C., ban đầu có tên “emocore”, được sử dụng để chỉ những nhóm nhạc có kiểu hát diễn cảm khác với cách hát nhanh, thô ráp thông thường của hardcore.[254] Phong cách này được tiên phong bởi Rites of Spring, và Embrace của Ian MacKaye, người đã sáng lập nên Dischord Records và đây trở thành hãng đĩa trung tâm lớn trong giới D.C. emo đang phát triển, phát hành nhạc phẩm của Rites of Spring, Dag Nasty, Nation of Ulysses và Fugazi.[254] Giới emo thời kỳ đầu là gồm toàn các ban nhạc ngầm hoạt động chỉ đôi ba năm rồi tan rã phát hành những loạt đĩa vinyl qua những hãng đĩa dộc lập nhỏ.[254] Giữa thập niên 1990, emo được tái định nghĩa bởi Jawbreaker và Sunny Day Real Estate bằng việc kết hợp grunge và kiểu rock giàu giai điệu.[255] Ngay sau khi grunge và pop punk trở nên đại chúng, emo nhận được thêm sự chú ý nhờ Pinkerton (1996) của Weezer.[254] Những nhóm cuối thập niên 1990 lấy cảm hứng từ Fugazi, Sunny Day Real Estate, Jawbreaker và Weezer, gồm The Promise Ring, The Get Up Kids, Braid, Texas Is the Reason, Joan of Arc, Jets to Brazil và thành công nhất là Jimmy Eat World.[254]
Emo trở nên đại chúng vào thập niên 2000 với hai album bán được nhiều triệu bản là Bleed American (2001) của Jimmy Eat World và The Places You Have Come to Fear the Most (2003) của Dashboard Confessional.[256] Những nhóm emo mới có âm thanh thị trường hơn nhiều so với thập niên 1990 và thu hút thanh thiếu niên hơn nhiều so với trước đó.[256] Cùng lúc này, việc sử dụng thuật ngữ “emo” được mở rộng ra ngoài một thuật ngữ âm nhạc, được dùng để nói về thời trang, kiểu tóc hay bất cứ loại âm nhạc nào giàu cảm xúc.[257] Báo chí dùng thuật ngữ “emo” với một loạt các nhóm nhạc không liên quan như Fall Out Boy[258] My Chemical Romance[259] Paramore[258] và Panic! At the Disco,[260]. Khoảng 2003, các ban nhạc post-hardcore nhận được sự chú ý từ các hãng đĩa lớn và đạt thành công thương mại.[250][251] Một số ban nhạc emo chú trọng vào tốc độ và sự mãnh liệt được xếp vào screamo.[261] Cùng thời gian này, một làn sóng mới các post-hardcore kết hợp nhiều đặc điểm của pop punk và alternative rock vào âm nhạc, gồm The Used,[262] Hawthorne Heights,[263] Senses Fail,[264] From First to Last[265] Emery[266], các nhóm Canada như Silverstein[267] và Alexisonfire.[268] Những nhóm nhạc Anh là Funeral For A Friend,[269] The Blackout[270] và Enter Shikari cũng có một số thành công.[271]
Garage rock và post-punk revival.
Heavy metal, metalcore và retro-metal thời nay.
Âm nhạc điện tử.
Trong những năm 2000, khi công nghệ máy tính trở nên phổ biến và phần mềm âm nhạc có những cải thiện đáng kể, chỉ cần duy nhất một máy tính xách tay thì người ta cũng có thể tạo ra âm nhạc với chất lượng cao.[272] Điều này dẫn đến sự bùng nổ của âm nhạc điện tử được sản xuất tại nhà sau đó phát tán lên mạng internet,[273] và các hình thức mới trong biểu diễn như laptronica[gc 2][272] và live coding.[274] Một số band cũng bắt đầu sử dụng những kỹ thuật này, ví dụ như band nhạc industrial rock Nine Inch Nails trong album Year Zero (2007).[275] Vài thể loại mới, bao gồm các dòng như indie electronic, electroclash, dance-punk và new rave, cũng pha trộn nhạc rock với những kỹ thuật và âm thanh nhạc số.
Ảnh hưởng xã hội.
Nhạc rock được ghi nhận là làm thay đổi các quan niệm về chủng tộc bằng việc mở ra cho thính giả da trắng một nền văn hóa của người Mỹ gốc Phi; nhưng đồng thời, nhạc rock cũng bị cáo buộc là đã độc chiếm và trục lợi nền văn hóa đó.[283][284] Khi nhạc rock hấp thụ được nhiều sự ảnh hưởng và giới thiệu đến khán giả phương Tây những truyền thống âm nhạc khác nhau,[285] thì sự lan rộng của nó trên toàn thế giới bị xem như là một hình thức của chủ nghĩa đế quốc văn hóa.[286] Nhạc rock kế thừa được truyền thống dân tộc từ ca khúc phản kháng, phản ánh những chủ đề chính trị như chiến tranh, tôn giáo, nghèo đói, dân quyền, công lý và môi trường.[287] Ảnh hưởng chính trị của nhạc rock từng đạt đến đỉnh cao với đĩa đơn “Do They Know It’s Christmas?” (1984) và đại nhạc hội Live Aid năm 1985 để quyên góp tiền cứu trợ nạn đói tại Ethiopia, tuy thành công trong việc làm tăng thêm sự nhận thức về nghèo đói trên thế giới và kinh phí viện trợ, nhưng cũng bị chỉ trích (cùng với các sự kiện tương tự) là đã tạo cơ hội để các ngôi sao nhạc rock đánh bóng tên tuổi và tăng lợi nhuận của họ.[288]
Kể từ khi Open, nhạc rock gắn liền với sự làm mưa làm gió phản đối những chuẩn mực xã hội và chính trị, rõ ràng nhất là rock ‘ n ‘ roll thời kỳ đầu không gật đầu lối văn hóa truyền thống cho người lớn cái quyền được quản trị con trẻ họ, phản văn hóa truyền thống phủ nhận chủ nghĩa tiêu dùng và sự phục tùng, nhạc punk thì chống lại toàn bộ những hình thức của tục lệ xã hội, [ 289 ] tuy nhiên, những tư tưởng này cũng hoàn toàn có thể được xem như thể phương tiện đi lại để khai thác thương mại và xu thế cho thanh thiếu niên tránh xa những hoạt động giải trí chính trị. [ 290 ]
- ^ ” Good ol ‘ boy ” là một cụm từ lóng của Mỹ và là một khái niệm mang nghĩa tích cực hoặc xấu đi tùy vào thực trạng. Khái niệm này ám chỉ những chàng trai lao động trẻ ở phía Nam nước Mỹ, vốn quen với việc làm nặng nhọc, đồng áng. Nghĩa từ này hoàn toàn có thể tựa như với từ ” trai quê ” .
- ^ ” Laptronica ” là một dạng âm nhạc điện tử trình diễn trực tiếp hoặc âm nhạc máy tính mà trong đó máy tính xách tay được sử dụng như một nhạc cụ. Thuật ngữ này là một từ ghép giữa ” máy tính xách tay ” ( máy tính computer ) và ” nhạc điện tử ” ( electronica ) .
- ^
“Mod” là một phong cách trang phục thời trang hiện đại và khác lạ có nguồn gốc ở Anh trong những năm 1960.
- ^
Lysergic acid diethylamide là một hợp chất tinh thể, C20H25N3O, có nguồn gốc từ axit lysergic và sử dụng như một loại thuốc gây ảo giác mạnh.
Liên kết ngoài.
- Rock trên DMOZ
Source: http://139.180.218.5
Category: Thuật ngữ đời thường